Bastano le immagini di Lady Diana che al braccio del padre, Lord Spencer, incede esitante lungo la navata centrale della St. Paul’s Cathedral di Londra, immersa – quasi affogata – nel suo abito meringa ricreato alla perfezione fin nel dettaglio del suo lunghissimo velo per comprendere la dirompente e toccante bellezza della quarta stagione di The Crown, la serie sulla famiglia reale firmata dal premio Oscar Peter Morgan che continua a riaprire ferite e stanze segrete di Buckingham Palace.

A ventitré anni dalla sua scomparsa, è infatti la “Principessa del popolo” (così come la definì l’allora primo ministro Tony Blair all’indomani della morte nell’agosto ’97) il centro d’attrazione dei nuovi episodi, disponibili su Netflix da domani. Per l’attrice Emma Corrin (esordiente assoluta e con una somiglianza commovente con la giovane Diana, dall’espressione naïve ai grandi occhi) è “un’opportunità eccezionale – soprattutto, chiosa – per renderle giustizia”. Negli iconici anni Ottanta – la stagione procede dal ’77 al ’90 –, la vediamo, allora, felice alle prime uscite con Carlo (Josh O’Connor, magnetico protagonista di La terra di Dio, 2017) e alla nascita del primogenito William. Dopo, spaurita quando – compreso che il principe di Galles ama ancora Camilla – implora la regina (l’attrice premio Oscar Olivia Colman, sempre ottima nei panni dell’imperturbabile Elisabetta II da adulta) di aiutarla a salvare il suo matrimonio in un moto di sgradita confidenza. Ed eccola, infine, disperata che si abbuffa di dolci per poi abbracciare il water e vomitare. Ma accanto al dramma di Diana, si raccontano le difficoltà dell’Inghilterra (la guerra delle Falkland, le bombe dell’Ira, la “cura” all’economia) nell’era di Margaret Thatcher, che Gillian Anderson incarna, è il caso di dirlo, magistralmente tanto nella voce arrotata e acuta, quanto nella gestualità, a partire dagli inchini profondi che la Iron Lady rivolgeva a sua maestà.

 

C’è davvero bisogno di un budget multimilionario per girare un film o una serie di guerra? La domanda sorge spontanea guardando The Liberator, la nuova miniserie di Netflix che ricostruisce la storia di Felix L. Sparks e dei Thunderbirds, i soldati americani che contribuirono alla liberazione dell’Italia dai nazifascisti e dopo 500 giorni di combattimenti in Europa furono tra i primi a entrare nel campo di concentramento di Dachau. The Liberator è la prima serie animata realizzata con il Trioscopio, una tecnica che utilizza le riprese dal vivo come traccia per la creazione in digitale di personaggi e luoghi.

Il protagonista è Felix Sparks, giovane capitano del terzo battaglione, 157esimo reggimento di fanteria, 45esima divisione dell’esercito Usa, che nel 1943 sbarcò in Sicilia per partecipare all’invasione alleata dell’Italia. I soldati al servizio di Sparks erano cowboy bianchi, nativi americani e immigrati messicani: uomini che in patria non potevano bere negli stessi bar, ma che in Europa combattevano fianco a fianco sotto la stessa bandiera. “La diversità è un elemento molto importante” ha spiegato lo showrunner Jeb Stuart, sceneggiatore dei film Trappola di Cristallo e Il Fuggitivo. Per Barry Jossen, a capo degli A+E Studio che hanno prodotto la serie, “questa storia ha degli elementi incredibilmente rilevanti per i tempi in cui viviamo”.

Il capitano rimase gravemente ferito, venne ricoverato in Nord Africa e poi congedato, ma decise di disobbedire agli ordini e partecipare alla battaglia di Anzio. Il viaggio dei Thunderbirds e di Sparks, promosso nel frattempo maggiore, proseguì nella Francia già liberata dai tedeschi e in Germania, dove furono tra i primi a entrare a Dachau. La serie è scandita dalle lettere che Felix inviò alla moglie Mary, lettere in cui spiegava perché non poteva abbandonare i suoi soldati: “Quando ti ho lasciato per venire qui avevo paura di perderti, di non tornare mai più, di morire. Ma ho iniziato questa guerra con uomini a cui dovevo molto. Mary, non mi aspetto che tu capisca, ma non è ancora ora di tornare. Adesso non ho più paura”.

La storia di The Liberator, basata sull’omonimo libro del giornalista inglese Alex Kershaw, non è meno avventurosa delle vicende che racconta. Inizialmente doveva diventare una serie live-action di otto ore per History Channel, ma i costi eccessivi (120 milioni di dollari per 14 mesi di produzione) costrinsero ad abbandonare il progetto. Si tornò a lavorare a The Liberator con l’idea di trasformarla in una serie animata. Questo permetteva di contenere il budget ma presentava un altro problema: mentre l’animazione, almeno negli Stati Uniti, è tradizionalmente legata al genere della commedia, in questo caso per usare le parole di Jossen “volevamo dar vita a un drama che fosse il più realistico possibile”.

La quadratura del cerchio è arrivata con la Trioscope Enhanced Hybrid Animation, un’evoluzione del Rotoscopio che permette di mixare le scene girate dal vivo con le animazioni realizzate in computer graphic. Questa tecnologia garantisce da un lato un realismo e un impatto emotivo senza precedenti, perché i personaggi che vediamo sullo schermo – ad eccezione di alcuni dettagli meno definiti come le mani – sembrano davvero persone in carne e ossa. Dall’altro permette di ridurre notevolmente costi e tempi di produzione: se per realizzare una scena di battaglia dal vivo ci vogliono due settimane, in questo caso sono bastati un paio di giorni. Alla fine le quattro puntate di The Liberator sono costate molto meno di un episodio girato in live action.

Nel ruolo del protagonista, Felix Sparks, c’è l’attore britannico Bradley James (Merlin e I Medici). La serie è stata girata in Polonia e il regista è il polacco Greg Jonkajtis, noto per aver curato gli effetti speciali di molti film di successo (gli ultimi sono Avengers: Infinity War e Solo: A Star Wars Story). Jonkajtis ha anche seguito lo sviluppo del Trioscopio: una tecnica che, secondo Jeb Stuart, potrebbe trovare un largo utilizzo nella fantascienza.

The Liberator In onda su Netflix

Chiusura dell’ultimo festival di Cannes, premio del pubblico a San Sebastiàn, chicca di Alice nella Città alla recente Festa di Roma, The Specials doveva uscire in sala lo scorso aprile, quindi il 29 ottobre, ma la pandemia ha avuto ancora una volta la meglio: arriva il 18 novembre on demand su Sky Primafila Premiere, MioCinema e IoRestoInSala, dal 23 sulle altre piattaforme digitali. Dietro la macchina da presa ci sono di Olivier Nakache e Éric Toledano, i francesi del successo globale Quasi amici, C’est la vie e Samba, davanti Vincent Cassel e Reda Kateb, “tutto è cominciato dalla conoscenza di Stéphane Benhamou, fondatore dell’associazione Le Silence des Justes. Prendiamo sempre dal reale e poi trasformiamo in finzione: i nostri film raccontano incontri inverosimili tra personaggi di culture, religioni, identità differenti”.

Sullo schermo Benhamou si traduce in Bruno (Cassel), Daoud, direttore dell’associazione Le Relais IDF, in Malik (Kateb), il primo ebreo, il secondo musulmano, entrambi impegnati ad assistere bambini e adolescenti autistici e a facilitarne l’integrazione nella società: non autistici qualunque, bensì casi “estremamente complessi”, quelli che le strutture sanitarie tradizionali non si vogliono sobbarcare. Ma l’operato parigino dei due gemelli diversi non riguarda solo la cura dei pazienti, bensì la formazione dei loro assistenti, diversi per origine e confessione, ugualmente provenienti da quartieri a rischio: un sistema tanto precario quanto virtuoso, permeabile – se non affondabile – dalla burocrazia, salvaguardato dalla comune umanità, benedetto da un tot di incoscienza, il cuore oltre l’ostacolo, e molto altro oltre i protocolli sanitari. Nakache e Toledano sono troppo cinematograficamente edotti per non sapere quanto fosse sensibile il rischio dell’edificante, dell’esemplare e dell’assistenziale, dunque il focus si sposta dagli autistici ai loro tutor, a loro volta soggetti a una sconfessione delle aspettative del pubblico: per dirne una, un Cassel impacciato con le donne quanto vi stupirebbe? Perfetto Vincent, già nella postura, nel vestiario, nella sprezzatura gentile, nella direzione ostinata e contraria rispetto all’istituzione normativa e menefreghista, a ruota un Kateb lontano dai consueti ruoli di duro, incarnano esseri speciali in un universo in cui la normalità non solo non è contemplata, ma nemmeno richiesta: cinema-verità, assertivo e sorridente, scanzonato e perfino canzonatorio, capace di far riflettere senza pensosità, interrogare senza supponenza. Potrebbe tornarvi in mente quel gioiellino italiano di Si può fare, diretto da Giulio Manfredonia nel 2008, ma se l’Onlus fa analogamente la forza, i due registi individuano l’influenza del nostro cinema ne L’oro di Napoli (regia di Vittorio De Sica, 1954), laddove qui preziose sono “le persone: avremmo potuto intitolarlo ‘L’oro di Parigi’”. Già, The Specials è un metallo, pardon, film nobile.

 

La chiamano “contessa”, Vanessa Gravina. E in realtà ha qualche sfumatura da nobile, vuoi per come sta seduta, vuoi per il vocabolario, vuoi per il taglio di capelli e i modi; lei ne Il paradiso delle signore, è la contessa, tutta d’un fiato, Adelaide Costanza Matilde di Sant’Erasmo, uno dei personaggi principali di una soap che su Rai1, ogni pomeriggio, tocca il 20 per cento di share, “e siamo cresciuti durante il lockdown: ora ci guardano pure gli uomini; ogni tanto qualche maschietto mi ferma e di nascosto me lo confessa”.

Lei è un’attrice che a soli 46 anni ha già nel curriculum una serie di discese ardite e risalite, di picchi di successo, come periodi di oblio, altro successo, e così via; Marco Risi, La Piovra, Strehler, Alberto Lattuada, Jerry Calà hanno lei come minimo comun denominatore.

Insomma, per gli appassionati è ‘la contessa’.

(Sorride) Il problema è quando mi fermano: il personaggio utilizza un italiano dell’800, così alla fine mi chiedono un video con il linguaggio da contessa…

Un po’ si scoccia.

Da un lato l’ego di attrice viene soddisfatto, dall’altro mi preoccupo perché mi inquadrano sempre con lei.

‘Finalmente ho un personaggio’, ha sostenuto.

Perché è complicato ottenerne di belli, in generale non ci sono: le donne spesso sono da spalla all’uomo, mentre in questa serie sono le colonne portanti; io ci ho traghettato la mia esperienza teatrale, quindi non mi è ostico l’italiano forbito dei decenni passati.

I teatri sono chiusi, per fortuna c’è la soap…

Stiamo sul set 12-13 ore al giorno; ho una media di due o tre scene a puntata: vuole dire studiare, a settimana, tra le 48 e le 60 pagine; (sorride) la grande qualità della serie è che noi la scena la ripetiamo anche quattordici volte, non tiriamo via.

In questa fase stare in un cast così è una forma di sicurezza professionale.

Sì, però mi piace che dove vado trovo un riscontro con il pubblico, un amore clamoroso, eppure ho girato anche La Piovra e Incantesimo, ma qui è un altro livello.

A teatro ha recitato per Strehler.

Conosciuto quando avevo solo 17 anni: lo vivevo con una paura terribile nonostante avessi sulle spalle già sei o sette anni di lavoro; (ride) la Bonaiuto un giorno mi prese in giro: ‘Ma che a 11 anni già te facevano tirà le pietre?’.

Quindi?

Strehler era un genio-bambino per il suo entusiasmo senza età, ma per tutti il terrore correva sul filo: strillava perennemente, a chiunque, tranne che a me. Eppure aprivo da sola lo spettacolo mentre suonavo il piano. Dopo un’esperienza così, non temi più nulla.

I colleghi la aiutavano?

In teatro c’è molta più austerità, più disciplina rispetto al cinema; e poi, fino a qualche anno fa, c’era una generazione di tombeur, di attori sempre con lo sguardo seduttivo; questo atteggiamento mi straniva.

Tombeur
più che nel cinema?

Senza paragone, anche perché con il teatro stai più tempo insieme.

È passata da Strehler ad Abbronzatissimi 2.

(Ride) Che meraviglia! Ancora lo trasmettono di continuo; ogni tanto qualche insospettabile, magari intellettuale, mi manda un messaggio con la foto del film sullo schermo.

La prima fama con Colpo di fulmine insieme a Jerry Calà.

Ormai rientra nell’immaginario collettivo.

Marco Risi regista.

Lui tosto, quando si incavolava erano dolori; (ci pensa) era un uomo non abituato a perdere tempo, con in testa una ben strutturata idea di cinema, per questo aveva momenti di grande severità.

Cioè?

Una mattina mi fece piangere perché arrivai allegra sul set, forse avevo preso un bel voto a scuola, mentre la scena era tragica. Il giorno dopo mia madre mi svelò l’arcano.

E con la scuola?

Diplomata a 23 anni. In classe mi chiamavano “la signora”.

Ma da ragazzina, i compagni, come la trattavano?

Esperienza terribile, venivo emarginata perché ero la ragazzina protagonista di copertine e di film…

Invidia.

Sì, ma non la codificavo, non capivo, mi sentivo solo emarginata; e pensare che a me delle copertine e dei settimanali non importava nulla.

Non le piaceva?

Per niente, mi rompevo. Preferivo recitare; però ogni volta venivo risarcita con qualche Barbie, per me il massimo; (sorride) ai bambini prodigio non viene perdonata la crescita.

Mai…

Sdoganarmi è stato una degli aspetti più complicati della mia vita, in adolescenza ho vissuto una sorta di choc perché all’improvviso mi sentivo ai margini, in un periodo in cui già ci si mette in discussione.

Come viveva la fama?

Il massimo è stato tra i 13 e i 14 anni quando giravo La Piovra: in Germania era un successo clamoroso, così mi fermavano in continuazione.

Qual è il suo supereroe?

(Ci pensa, sorride) Me stessa.

@A_Ferrucci