L’idea di avere tantissimo, troppo tempo da un lato, e l’idea di averne poco, pochissimo dall’altro: da un estremo all’altro è passata Elizabeth Wurtzel, prima di non avere più tempo.

È morta il 7 gennaio a Manhattan, per un cancro al seno che aveva intaccato anche cervello e midollo. Aveva 52 anni e un quarto di secolo fa, nel 1994, era venuta alla ribalta letteraria con un testo irriverente ed epocale. Prozac Nation fu il best-seller di una ventisettenne che si permetteva, primo, di scrivere un memoir a ventisette anni, e secondo, di parlare di depressione e trattamento farmacologico nell’America bene.

La temutissima critica del New York Times Michiko Kakutami commentò che a leggere il libro di quell’autrice narcisista, viziata e sopravvalutata veniva voglia di darle uno scossone e di ricordarle che poteva capitare di peggio che crescere a New York negli anni Settanta da una famiglia ebrea e studiare all’Università ad Harvard. Allo stesso tempo però Kakutami riconosceva a Wurtzel di aver scritto un libro unico, dove riusciva a investigare il proprio narcisismo con una dose di autoironia e leggerezza tanto da mettere in secondo piano le parti lagnose e commiserevoli.

E tirava fuori paragoni importanti: Joan Didion, Sylvia Plath, Bob Dylan.

Che esistesse un legame fra letteratura e depressione non era niente di nuovo: da Mark Twain a Charles Dickens, da William Faulkner a Joseph Conrad, da Edgar Allan Poe a Hermann Melville, da Isaac Asimov a Stephen King, la lista degli autori depressi potrebbe occupare intere pagine del quotidiano.

Ma quello che aveva fatto Elisabeth Wurtzel era stato percepire un nuovo slittamento terapeutico in quegli anni: si stava superando l’elemento psicoanalitico con il supporto chimico. Bye bye Freud, cam’n Prozac. Era la medicina, il principio attivo Fluoxetina Cloridato ad avere la meglio sulle sedute sul lettino.

Non era facile ammetterlo: perché la chimica andava bene per aprire le porte della percezione, ma non per mettere dei fermaporta. In Italia Rizzoli pubblicò Prozac Nation due anni dopo traducendo con il titolo La felicità difficile, oscurando l’aspetto sociologico della diffusione del Prozac negli United States of Depression.

Bisognerà aspettare altri due anni perché una punk band di Pordenone (luogo non propriamente ridente, come dimostrano anche i Tre allegri ragazzi morti) abbia successo con un singolo dal titolo Acida e sdogani il tema: erano i Prozac +.

In musica l’importanza di un medicinale salvifico ed equilibratore era già stata intuita dai Nirvana, con Lithium all’interno dell’album Nevermind (1991). Litio o no, Kurt Cobain si era comunque ammazzato due anni dopo.

Erano un’epoca strana, zoppicante, malconcia quegli anni Novanta, timorosi di nuove guerre, sballottati dai lustrini del decennio precedente. Era caduto il Muro di Berlino, la Russia non era più il nemico o il competitor degli americani. Ai muscoli di Rocky Balboa e ai balletti di Madonna si rispondeva con jeans che strisciavano a terra e maglioni extralarge e dei tuffi nel cesso alla Trainspotting.

Ribelli negli anni 70, consumisti negli anni 80, disorientati e depressi all’inizio dei ’90.

Nel 1998 Elizabeth Wurtzel pubblicò un secondo libro: Bitch, mai tradotto in italiano: cinque saggi in cui dà voce alle grandi donne che dovrebbero stare dietro ai grandi uomini, da Zelda Fitzgerald e Margaux Hemingway fino a Hillary Clinton. Il risultato è una silloge di neofemminismo, con l’autrice che posa nuda nella copertina del libro (di spalle sulla copertina rigida, di lato sul tascabile).

Del 2001 è More, Now, Again sulla dipendenza da Ritalin, la droga contenente metilfenidato che viene prescritta a chi ha un deficit dell’attenzione.

Ma il grande spolvero è lontano. Wurtzel frequenta la facoltà di legge a Yale, si laurea, scrive ancora per qualche rivista (anche di David Forster Wallace, che nel frattempo si è suicidato), si sposa.

Scopre che suo padre non è il suo vero padre, ma stavolta non ha più il tempo per raccontarlo in un nuovo memoir.

Di lei si è detto che era una Sylvia Plath in un video di Mtv, una Virginia Woolf sotto speed, sempre qualcun’altra in combinazione con qualcosa. Forse perché quella combinazione la proponeva la prima copertina del suo esordio: una giovane depressa di talento, una ragazza che tremava e raccontava se stessa, con l’aiuto di una piccola pillola.

Baden Baden è il nome di un noto gruppo indie pop francese, scelto un po’ per il suono del toponimo, un po’ perché nella località termale tedesca il 29 maggio 1968 Charles de Gaulle incontrò in segreto i suoi generali, mentre per le strade di Parigi infuriavano le proteste e si contemplava la repressione militare.

Questo episodio manca dal libro di David Clay Large, L’Europa alle terme, che ripercorre tramite le vicende di una decina di stazioni termali di area tedesca alcune tappe della storia culturale e politica del continente. Fino al XIX secolo il taglio è aneddotico: l’infausto amore senile del 73enne Goethe per l’adolescente Ulrike von Lewetzow (rinominata “Pandora”) nella boema Marienbad, il suo incontro con Beethoven a Teplitz, gli eccessi gastronomici ed erotici del futuro re Edoardo VII d’Inghilterra a Bad Homburg, le danze piccanti di Lola Montez proprio a Baden Baden, nel cui casinò (frequentato da Nerval, Disraeli, Offenbach e mille altri) si dissanguarono sia Tolstoj che Dostoevskij – entrambi poi aiutati da Turgenev, che nella zona visse frequentando anche il salotto di Clara Schumann.

Luoghi di ozio e di peccato, centri diplomatici e politici (a Bad Ems si decise la guerra franco-prussiana del 1870; Francesco Giuseppe nel ’14 dichiarò guerra alla Serbia da Bad Ischl, dove aveva conosciuto Sissi), snodi della vita mondana dell’Europa: le terme di Germania, Austria e Boemia erano pronte a contendersi i clienti associando ai trattamenti idroterapici (spesso di dubbia efficacia) soggiorni in grandi alberghi favolosi, agguerrite équipe di nutrizionisti, un’offerta senza pari di giochi d’azzardo (la Roulettenburg di cui parlerà Dostoevskij nel Giocatore) e con l’andar del tempo anche spettacoli teatrali e musicali di livello – da Liszt gran seduttore di dame a Berlioz che vi presentò i Troyens, da Wagner (che per poco non scelse Baden Baden anziché Bayreuth per il proprio tempio) fino a Brecht e Kurt Weill.

Baden Baden è un luogo simbolo: il suo precoce sviluppo turistico si deve alla tenacia e all’intuito della famiglia francese dei Bénazet; ricco di memorie letterarie (da Twain a Zweig), il libro di Large scorda il romanzo che meglio narra la frenesia imprenditoriale del business termale, ovvero Mont-Oriol di Maupassant (1886). Il business era nuovo, ma l’idea di una “fonte dell’eterna giovinezza” (come recitava e recita ancora lo slogan dell’austriaca Bad Gastein) è antica quanto la celebre tavola del Jungbrunnen di Cranach il Vecchio (1546), in cui uomini e donne affrontano la piscina in promiscua nudità integrale – un’usanza sorprendente per il fiorentino Poggio Bracciolini (che nel 1416 la constatò di persona a Baden e la descrisse in una pagina memorabile), e ancor oggi non banale per chi entra nelle modernissime spa del grande Nord.

Dopo la messa al bando del gioco d’azzardo da parte del Kaiser Guglielmo nel 1872 e i progressi della medicina, le località termali dovettero reinventarsi, aprendosi alla borghesia, investendo nella diagnostica di avanguardia e nell’idroterapia specifica (non generici trattamenti ricostituenti, ma per esempio cateteri psicrofori per tonificare l’uretra, o refrigeratori rettali per rafforzare l’intestino), e proponendosi come centri sportivi (dall’ippica allo sci), scali per Zeppelin, complessi commerciali dotati di negozi di prim’ordine, o ancora – sarà il loro destino fino alle convention di Bad Godesberg e Davos – centri congressi.

Uno dei temi di Mont-Oriol è l’antisemitismo, questione che Large affronta nella parte meglio riuscita del libro: se la segregazione degli ebrei come clienti e gestori di alberghi e stabilimenti rimase un elemento accessorio fino alla I guerra mondiale, fu con la crescita e l’avvento del nazismo che le vie, le pietre e la natura stessa di molte stazioni termali mutarono in modo irreversibile – dopo la II guerra, tra le macerie, ci saranno le sovvenzioni delle casse malattia della Germania Ovest, l’effimera grandeur di Gastein con lo spregiudicato investitore Tomek, o il lento declino della Cecoslovacchia comunista.

Riparato a Baden Baden all’indomani di una burrascosa separazione, Alfred de Musset scrisse a George Sand che nella località termale trovava solo “il rumore della vita”: forse per questo, nel cuore del Novecento, due film decisivi e diversissimi scelsero questa ambientazione per scavare invece nel silenzio o nel chiasso di esistenze scompaginate al tempo del declino: L’anno scorso a Marienbad di Resnais e Otto e 1/2 di Fellini.

“L’uomo perfetto non esiste, ma credo si debba tentare di riprodurre in questa vita la realtà meravigliosa delle favole”. A parlare, e a sognare, è Gianclaudio Caretta, classe 1993, un tarantino che ha cominciato come autista del soccorso stradale notturno ed è finito – “ma in questo mestiere non si finisce mai di imparare” – calcando palcoscenici e set. Da domani al 26 gennaio sarà al Teatro de’ Servi a Roma (e poi in una tournée che farà tappa anche a Milano, Trento, Napoli) per interpretare il robot Robbi nella commedia “L’uomo perfetto” scritta da Maura Graiani e Riccardo Irrea per la regia di Diego Ruiz. Al suo fianco, Milena Miconi e Nadia Rinaldi.

Caretta, ci vuol far credere che le donne, non riuscendo a trovare l’uomo perfetto, si accontentano di un robot?

Costruito da una fantomatica “Newman corporation”, che ha trovato il modo di soddisfare i desideri femminili. Robbi parte dalle mansioni domestiche – lavare, stirare, cucinare, rispondere al telefono, scopare – per diventare un confidente, un amante.

Con ironia, immagino.

È una commedia dolce-amara, il genere che più mi si addice. Si ride ma si riflette. Anche perché il mio personaggio ha degli sviluppi, inizia pian piano a diventare esigente.

Non crede che, nell’epoca del #MeToo, raccontare che le donne cercano ancora il principe azzurro vi esponga alle critiche?

Le donne sono giustamente arrabbiate per i comportamenti maschili. La violenza è un tema di cui mi occupo personalmente: con Il giorno più bello (di Valter D’Errico, ndr) abbiamo vinto numerosi premi e recentemente ho recitato su Rai Uno un monologo: la lettera di Carmine Ammirati alla sua mamma, morta per mano dell’ex compagno a Torre Annunziata nel 2015. Sono dalla parte delle donne e, anzi, in questa commedia vogliamo concedere loro tutto ciò che desiderano.

L’uomo perfetto esiste?

No, come non esiste la donna perfetta. Ma si può trovare il partner perfetto per se stessi. È solo una questione di incastri.

Lei nella vita avrebbe dovuto fare tutt’altro.

A Taranto avevo cominciato a lavorare nella carrozzeria di famiglia poi, per caso, feci la comparsa in un cortometraggio. Respirai il set, me ne innamorai. Da quella scintilla capii che l’unica strada per realizzare il mio sogno era trasferirmi a Roma e iniziare a studiare.

Tanta gavetta?

La gavetta non finisce mai. Franco Nero, con cui ho diviso il ruolo da protagonista in Ed è subito sera, mi ha confermato che nel nostro mestiere non esiste l’età giusta per ritenersi “arrivati”.

E, dunque, visto che ha ancora 27 anni, con quale regista vorrebbe lavorare?

Con Paolo Genovese, e ovviamente la mia risposta esula dal periodo che lui sta vivendo. Ma amo il suo genere narrativo.

Habemus Rula(m). Dal comignolo di Viale Mazzini è uscita la fumata bianca: il conclave ha trovato la quadra per la presenza a Sanremo della giornalista.

La Jebreal parteciperà dunque al Festival con un monologo contro la violenza sulle donne, tema a lei caro anche perché sua madre, vittima di abusi, morì suicida. Non è ancora chiaro se Rula sarà affiancata da special guest come Michelle Obama o Oprah Winfrey, la cui presenza all’Ariston difficilmente sarebbe pro bono. Si avrà l’ufficialità sugli ospiti (tra le dieci co-conduttrici dovrebbe esserci anche Lady Ronaldo, Georgina Rodriguez) nel Cda del 14 gennaio, giorno della conferenza di presentazione del Festival. Ma già ieri la consigliera Rita Borioni (Pd) ha espresso soddisfazione: “Viene ristabilito un minimo principio di equità e di non discriminazione”, ha dichiarato al Fatto, sottolineando che “il problema vero è che se ne è dovuto parlare per una settimana”.

Per porre fine allo specioso caso-Jebreal si è dovuti ricorrere a un vertice a tre: l’ad Rai Salini, la direttrice della rete ammiraglia De Santis (contraria sin dall’inizio all’invito alla reporter) e lo scombussolato Amadeus. Ma al tavolo sedeva anche, irritualmente, un convitato scomodo come il superagente Lucio Presta, abituato da sempre a non fare lo spettatore neutrale, soprattutto quando c’è Sanremo di mezzo e un presentatore suo assistito. Tutti, alla fine del summit, erano ben consci dell’urgenza per l’amministratore delegato di procedere alle nuove nomine (il Pd preme per trasferire Stefano Coletta da Rai3 al comando di Rai1, la grana è riempire le caselle alle direzioni dei Tg); avranno ripensato alle puntate precedenti della loro elettrica trattativa. Riassunto: all’indomani della giubilazione di Baglioni come “dittatore artistico”, Teresa De Santis immagina un festival “corale e celebrativo” per l’edizione 2020, la N.70 della rassegna. E valuta che l’unico candidato timoniere possa essere un volto dell’azienda di provata affidabilità e lungo chilometraggio come Amadeus. Peccato che Fabrizio Salini sia di parere contrario, e lanci messaggi ad Alessandro Cattelan, che però ha il problemuccio della targa Sky. È l’estate 2019: Ama trova una sponda in Fiorello, che si spende per l’amico. Ma prima di ricevere la designazione dalla direttrice di Rai1, il conduttore dei Soliti ignoti invia una lettera a Salini in cui si dice pronto a “fare un passo indietro”, non sentendo attorno a sé l’unanime consenso dei maggiorenti Rai. Come sia, l’ipotesi Cattelan evapora, e Amadeus comincia faticosamente a setacciare tra più di duecento canzoni quelle da portare in Riviera: 20? 22? Alla fine, dopo il pasticcio delle anticipazioni su Chi e Repubblica, diventano 24, con l’aggiunta fuori busta di Tosca (ha un pezzo di gran qualità, candidabile per il Premio della Critica) e di Rita Pavone, ripescata dal Pleistocene, con un brano, Niente (Resilienza ’74), che già nel titolo pare un calzante inno generazionale per la terza età.

La riesumazione di Pel di Carota a Sanremo, quasi mezzo secolo dopo l’ultima apparizione, ha innescato la dinamite dei social, lì dove Rita si era instancabilmente spesa al fianco del sovranismo, con neppure troppo velate nostalgie mussoliniane. Una carica di insulti che difficilmente le gioverà al momento dei televoti (e che potrebbe danneggiare anche il favorito Anastasio, schieratosi anche lui dalla parte di Salvini). Al netto delle schermaglie da barricata (ieri la controffensiva della Pavone è stata una citazione da Chaplin: “Preoccupati più della tua coscienza che della tua reputazione, quello che gli altri pensano di te è problema loro”), l’ex Giamburrasca potrebbe anche pagare il flop come conduttrice scelta da Freccero per Rai2: affidarle il racconto dell’anniversario di Woodstock non si è rivelata un’idea brillantissima.

Una trovata formidabile sarebbe invece invitare all’Ariston i Pearl Jam: la leggendaria band grunge sarà in concerto a Imola il 5 luglio, e non dovrebbe essere impossibile convincerla a uno spot promozionale a Sanremo. Dove troverebbero la loro “nemica” Pavone, che mesi fa tuonò su twitter contro il frontman Eddie Vedder, “responsabile” di aver attaccato, all’Olimpico, Salvini e il suo diktat sui porti chiusi. La risposta social dei Pearl Jam fu tombale: “Chi cazzo è Rita Pavone?”. Nel Sanremo helzapoppin’ che ci attende, un faccia a faccia tra Vedder e l’interprete di Resilienza ’74 sarebbe una pagina di storia.

Pochi giorni fa, il 29 dicembre, è caduto il centenario della nascita di Roman Vlad, morto a Roma nel settembre 2013. Vlad è stato uno dei grandi uomini di cultura a partire dagli anni Quaranta, soprattutto in Italia: è stato uno dei domini della vita musicale e della cultura musicale. Per capire l’uomo, al tempo stesso romano e cosmopolita, occorre rievocare un’epoca che non esiste più e della quale in buona parte si è perso il ricordo. Il meraviglioso Mondo di ieri di Stefan Zweig è una rievocazione alla quale pensare, ma attinente per lo più all’ambiente ebraico di Vienna prima dell’invasione nazista. Qua ci troviamo in un campo analogo e più vasto.

Nacque a Cernauti in Bucovina. La Prima guerra mondiale era appena terminata, e una serie di confini e Stati artificiali sconvolse un secolare equilibrio con le devastanti conseguenze che sappiamo. Roman passa ufficialmente per romeno, ma se fosse nato solo cinque anni prima sarebbe stato suddito austro-ungarico, come si vede dalle basi della sua cultura. In realtà quella vastissima zona era fatta di etnie a volte nemiche da secoli, ma per lo più atte a una convivenza e una penetrazione reciproca con straordinarî risultati. Nobile per ambo le parti, Vlad aveva qualcosa di polacco, di ucraino e di ungherese, oltre che di romeno. Così si può capire come fosse uno straordinario poliglotta; il suo italiano era perfetto e raffinato, con una lieve patina esotica che non avresti saputo identificare. Così si può capire come un ragazzo diciannovenne, solitario in un corridoio del Conservatorio di Santa Cecilia (s’era già diplomato nel suo paese), riflettesse mestamente su di un suo incerto futuro, visto che i posti erano tutti assegnati, in mano alcune partiture di Schönberg e Bartók.

Il felice caso volle che in quel momento passasse Alfredo Casella, e notasse quella musica da noi non ben radicata. Lo porta in commissione, gliele fa eseguire perfettamente (Vlad era un rifinitissimo pianista, e poi compositore), e gli trovano un posto soprannumerario. Furono comunque anni terribili, tra l’occupazione tedesca e i cambi di regime della Romania. Solo nel 1951 divenne cittadino italiano.

Vlad è stato uno dei nostri più grandi direttori artistici: paragonabile solo a Francesco Siciliani. Ha diretto il Maggio Musicale Fiorentino e la Scala. Riccardo Muti ha tre padri spirituali, Vincenzo Vitale (il “nostro” Maestro), Vlad e Siciliani. Vlad lo assunse al Maggio come direttore musicale senza neanche fargli un’audizione, perché capì quale personalità direttoriale avesse di fronte.

Di Vlad al quale ero legato da intenso affetto, non sono stato allievo direttamente: ma indirettamente la mia formazione gli deve moltissimo. La sua cultura letteraria e nelle arti figurative gli consentiva di mettere in rapporto le arti come un unico complesso. Adolescente, ascoltavo coll’attenzione dello scolaro fiducioso le sue trasmissioni alla radio e alla televisione. Senza testo preparato, seduto al pianoforte, affrontava temi fondamentali o extravaganti. Conosceva tutto il repertorio musicale. È stato uno dei migliori amici di Stravinskij: gli era sempre a fianco quando era in Italia, e su di lui ha scritto un libro di capitale importanza. La diffusione della cultura musicale, cinque decennî fa, era assai maggiore di oggi: egli ne è stato uno dei grandi artefici.

Una sola cosa non sono riuscito a dirgli, perché la scopersi dopo la sua fine; e il figlio Alessio, mio fraterno amico, non voleva crederci finché non ce l’ho portato. La tomba del suo antenato Vlad III, detto “l’impalatore” (1431-1476), principe di Valacchia, si trova a Napoli, nel chiostro della basilica di Santa Maria La Nova: coll’orgogliosa insegna gentilizia del drago a bocca spalancata. Per attirare i turisti la chiamano “la tomba di Dracula”.

La fotografia annuale degli album e dei singoli più venduti – dati della Fimi, Federazione discografici italiani – evidenzia in modo inequivocabile una frattura enorme tra ciò che ci propinano le radio e quello che realmente compriamo o ascoltiamo in streaming. La narrazione radiofonica da anni inserisce in rotazione brani dei cosiddetti big, i soliti noti: Laura Pausini, Ligabue, Zucchero, Jovanotti, Eros Ramazzotti, Biagio Antonacci (dati rilevati da Ear One). Eppure a guardare la lista dei primi cento singoli e album venduti in Italia (pubblicata ieri) si può notare come i nomi che guidano il mercato discografico italiano sono altri.

La rivoluzione, già iniziata l’anno scorso con l’esplosione dell’hip hop italiano in classifica, prosegue premiando Ultimo con l’album più venduto nel 2019 (Colpa delle favole) e piazzando Peter Pan al quarto posto e Pianeti undicesimo. Salmo è secondo combinando le uscite di Playlist e la sua versione Live e pure terzo insieme ai sodali della Machete (Dani Faiv, Tha Supreme, Nitro e altri) con Mixtape 4. Salmo ha dichiarato che per registrare Mixtape 4 ha rifiutato di partecipare a X Factor: la scelta è stata tutt’altro che azzardata, dato che mai un album di collaborazioni aveva conquistato un piazzamento così alto. Il rap vince a mani basse anche con Marracash al quinto posto seguito da Fedez al settimo e Tha Supreme all’undicesimo, la vera rivelazione dell’anno. Per trovare uno dei presunti big bisogna scendere al sesto posto con Ligabue, fermo al disco di platino (50.000 copie tra vendite e streaming contro i tre di Ultimo e i due di Salmo e i due della Machete) o Elisa al diciottesimo o Mina e Fossati al ventiquattresimo. Lontani dalle vendite di qualche anno fa, soprattutto Cesare Cremonini con il suo Best fermo al numero 33 e Jovanotti con Jova Beach Party addirittura al 35, Zucchero al 39 ed Eros Ramazzotti al 62. Eppure se guardiamo i venti brani più suonati dai network scopriamo che l’italoamericana Lp con Girls Go Wild è al primo posto nonostante non figuri tra i 100 singoli più venduti o ascoltati in streaming. Pensare Male dei Kolors & Elodie è al numero 76 dei singoli più venduti/ascoltati del 2019 ed è quinta nelle radio; Maradona Y Pelè firmata da The Giornalisti è nona in radio e al numero 38 dei più venduti. Anche Tiziano Ferro fatica per adesso a superare il platino mentre va considerato positivo lo stesso risultato di Marco Mengoni. Ma l’attenzione della radio ai soliti noti riguarda anche gli artisti stranieri: Ed Sheeran spremuto come una saponetta dai network fatica a piazzare il nuovo album al 46 posto e Madonna risulta addirittura al 67; anche i Coldplay al momento sono fermi al disco d’oro (25.000 copie).

Chi è allora il vero vincitore? Sicuramente Ultimo, uno dei pochissimi nuovi cantautori trasversali, capace di attrarre un pubblico adulto e arrivare al primo posto su Spotify. E poi l’hip hop italiano capitanato da Salmo e seguito da Coez, Fedez, l’outsider Lazza (quattordicesimo), Capo Plaza, Sfera Ebbasta (con la coda delle vendite di Rockstar), Rkomi, Mamhood, Luchè, Gemitaiz & Madman, Night Skinny, Izi tutti nella top 30. Carl Brave piazza tre album nella top 50 mentre va bene anche la “new wave” italiana tra il rock di Gazzelle e il minimalismo di Calcutta. Sono i Queen gli unici ad essere nella top ten tra gli stranieri, la sorpresa Billie Eilish è al 15 e a seguire l’onorevole piazzamento di Bruce Springsteen al numero 21 con il convincente Western Stars, senza dubbio il miglior album dell’anno, ignorato dai network. Ovviamente nelle radio non c’è traccia di quello che piace realmente ai ragazzi: Yoshi della Machete nonostante sia al numero 14 dei singoli più venduti non figura nei primi 100 radiofonici, idem Il cielo nella stanza di Salmo; per trovare Ultimo bisogna scendere alla posizione numero 63. È sempre bello di Coez – brano più ascoltato su Spotify dell’anno e secondo singolo più venduto – in radio è trentunesimo; Una volta ancora di Fred Palma con Ana Mena – singolo più venduto per la Fimi – è cinquattottesimo. Per colmare il gap nel nostro paese la strada è ancora lunga, potrebbe aiutare l’inserire nelle rilevazioni le visualizzazioni di YouTube, da quest’anno conteggiate negli Stati Uniti su Billboard: pochi lo sanno ma è il mezzo più utilizzato per ascoltare una canzone, altro che le radio.