Otto teatranti si rifugiano in un casale di campagna per preparare uno spettacolo. Hanno una settimana di tempo prima di andare in scena: sette giorni per imparare a stare insieme, sul palco e fuori. Alcuni di loro si conoscono già. Il capocomico Tobia, Monica la regista che sarebbe anche la sua fidanzata, l’umorale Antonio e Marta che crede di essere perseguitata dai fan: avevano una compagnia dieci anni fa, che si è sciolta quando Tobia ha deciso di andarsene. E poi ci sono gli altri, i nuovi. Luca che vive con lo smartphone in mano, Enzo che si porta appresso il suo coniglio Gianni, Chiara la ballerina figlia di papà e Valentina l’aiuto regista.

Ecco gli otto protagonisti di Scatola nera, la nuova serie tv italiana prodotta da Zen Europe che sarà disponibile su Amazon Prime Video da lunedì (la regia è di Elia Castangia, che ha scritto la sceneggiatura insieme ad Alessandro Betti e Roberto Bosatra). Ciascuno degli otto episodi da 30 minuti si concentra su uno dei personaggi, la sua storia e i segreti che si è portato dentro il casale. Il presente si sovrappone al passato, le immagini della messinscena si alternano a quelle delle prove. E il mix funziona: i caratteri si incastrano bene, i momenti comici si amalgamano con quelli surreali, le puntate scorrono veloci.

C’è solo un problema. Nonostante la clausura nel casale contribuisca a creare un’atmosfera tipo Dieci piccoli indiani, in questa serie presentata come la prima comedy crime italiana manca proprio il crime. Certo: c’è la curiosità di scoprire cos’è accaduto davvero dieci anni prima e che fine ha fatto Grazia, la mamma di Valentina che una volta recitava con gli altri… Ma nei primi episodi il senso di mistero è restituito solo dalle musiche mentre i fatti raccontati di misterioso hanno ben poco. È solo alla fine che il puzzle si completa e tutto acquista significato (anche se il finale aperto suggerisce il progetto di una seconda stagione). Scatola nera insomma è una serie tv attuale, ambiziosa ma non perfetta. E pur nell’imperfezione testimonia i passi avanti che la serialità italiana ha compiuto negli ultimi anni.

Massimo Popolizio fa Furore: da non perdere. Tratto dall’omonimo romanzo di John Steinbeck e adattato da Emanuele Trevi, Furore è l’ultimo, felicissimo progetto firmato dal regista e attore: più che uno spettacolo, un reading-concerto per voce sola accompagnata dal vivo dalle musiche di Giovanni Lo Cascio. Pur in sé compiuto, il monologo è una “prima tappa di un lavoro più articolato”, che porta in scena anche le foto d’epoca di Dorothea Lange e Walker Evans, provenienti dall’americana Library of Congress.

Scritto nel 1939 – riaffabulando materiali di un reportage giornalistico del 1936 –, Furore (The Grapes of Wrath, I grappoli d’ira, nel titolo originale) diventò subito un bestseller ed è annoverato tra i romanzi iconici della Grande depressione: protagonista è la famiglia Joad, costretta come molte a fuggire dall’Oklahoma in California a causa di una crisi agricola, climatica ed economica. L’esodo coinvolse centinaia di migliaia di persone: una migrazione di massa verso l’Ovest luccicante, il sogno di un Eldorado in cui “c’è lavoro e non fa mai freddo”, salvo poi essere accolti dalla puzza di morte della frutta lasciata marcire, o bruciare, pur di non sfamare i nuovi arrivati.

L’interessante operazione drammaturgica epura dalla trama proprio la famiglia Joad, preferendo alla fiction il reportage: tolta la finzione, scompaiono anche i personaggi (l’unica a sopravvivere è Rose, che regala un finale straordinario per poesia e struggimento) e la storia si fa rarefatta, corale, procedendo per quadri evocativi, pennellate decise, dalla Polvere alla Tartaruga, dalla Route 66 all’Odio, dall’Incendio al Furore, perché alla fine la fame confina con la rabbia. Si prendono la scena i migranti, il clima impazzito, le banche strozzine, i trattori-ruspe che radono al suolo le tendopoli dei disperati, le guerre tra poveri: “Dov’è che state andando? Qui non c’è abbastanza posto per tutti”.

Questo Furore strizza l’occhio alle cronache di giornata, o forse è il contrario, ma indubbiamente Popolizio oggi è l’unico in teatro ad avere il polso della contemporaneità. Quanto al contorno, è in qualche caso eccessivo: le foto e i video sono esteticamente impeccabili, però ridondanti, come pure le musiche, quasi che il regista non si fidi del se stesso attore e della sola forza delle parole. Eppure è da queste che sboccia una timida speranza: dal “piacere dalle storie” che si scambiano due derelitti accampati chissà dove, parole che creano comunità, che fanno festa, che proiettano futuro e sogni e rivoluzione. Proprio di parole è, infatti, a corto il male: la banca-mostro senza volto, cui è impossibile sparare; la natura sterile e muta, troppo arida o procellosa per dare frutti. “Come faremo a vivere senza le nostre vite? Come faremo a sapere chi siamo noi senza il nostro passato?”: affabulando, i migranti come Steinbeck, i disperati come Popolizio, i teatranti come la Bibbia. L’eco biblica qui riverbera lontana (peccato), ma resiste alla diaspora di un popolo in fuga, sopravvissuto alla fame, alla sete e pure all’alcolismo: un popolo chiamato umanità.

FURORE Da Steinbeck.  Di e con Massimo Popolizio Roma, Teatro India, fino al 1° dicembre; poi in tour a Pordenone, Firenze… fino al 16 dicembre

Un padre e una figlia contro un mondo nemico di ogni donna dal creato. Lui la protegge, la educa, le sussurra nottetempo fiabe improbabili inventate al momento che lei, 11enne, ascolta e sovverte, perché ne capisce il significato “altro”. In totale complicità i due si nascondono nel bosco, una tenda per abitazione, l’allerta alla fuga sempre accesa, la paura di non farcela ma la forza a resistere, a ogni costo.

Tra il romanzo di formazione “on the road”, il racconto di sopravvivenza e la tenera storia d’amore paterna per una figlia da difendere, Light of My Life di Casey Affleck è un’opera riluttante alle definizioni e più incline a conquistarsi una collocazione nel cinema di qualità. E questa, indubbiamente, la trova nel suo respiro universale, seppur poggiato sull’intimità di una piccola storia che diviene epica in quanto autentica e profonda, capace di attraversare indenne le rovine morali di una società feroce. Primo film di finzione del più giovane dei fratelli Affleck, dopo l’esordio registico col mockumentary del 2010 I’m still here dedicato all’ex cognato Joaquin Phoenix, Light of My Life si ambienta in un futuro distopico dai tratti post-apocalittici in cui a farne le spese è il genere femminile, destinato a scomparire a causa di una pandemia virale letale. Affette o portatrici (sane), le donne rappresentano un male planetario e vanno eliminate. Non fa dunque eccezione la piccola Rag (la sorprendente debuttante Anna Pniowsky) il cui Dad (così è genericamente indicato il padre, interpretato da Affleck) prova a salvare con ogni mezzo, dopo che sua moglie e di lei madre non è sopravvissuta. Apertamente influenzato dal bestseller The Road di Cormac McCarthy (portato poi al cinema da John Hillcoat) amico del regista, con echi da I figli degli uomini di Alfonso Cuaron e da Senza lasciare traccia di Debra Granik, e limitrofo al main concept della serie tv The Handmaid’s Tale (forse non è un caso che la madre di Rag presente nei flashback sia interpretata da Elizabeth Moss), il lavoro dell’attore premio Oscar per Manchester by the Sea ha il pregio di non oltrepassare i propri confini, evitando di cavalcare ambizioni eccessive così come il rischio di perdere il proprio fuoco, ovvero la propria originalità. Ed essa risiede nella capacità di questa fiaba ancestrale di rimanere immersa nel “suo” bosco senza tempo, sospesa nel presente di due individui che possono contare esclusivamente su loro stessi, nutrendosi l’anima e lo spirito di reciproca fiducia. Lontano da facili retoriche, Light of My Life invoca anche una riflessione politica sulla condizione femminile, lasciata tuttavia sullo sfondo del cuore narrativo.

Presentato in premiere mondiale alla Berlinale – sezione Panorama – il film ha partecipato come evento di chiusura ad Alice nella Città, la rassegna capitolina di cinema dedicata alle giovani generazioni che ha recentemente chiuso la sua 17esima edizione.

Si apre oggi, il 37° Torino Film Festival. Con qualche certezza e più di qualche incognita. Ouverture al Cinema Massimo, con film rossobruno, almeno, nella coincidenza di due radicalismi: Hitler e commedia perculante, questo Jojo Rabbit diretto e interpretato dalla rising star Taika Waititi.

Due notizie. Prima la buona: ha vinto il premio del pubblico a Toronto, che sovente s’è tradotto nell’Oscar al miglior film. La cattiva: ad accompagnarlo sotto la Mole è il solo Roman Griffin Davis, ovvero il bambino che fa del Führer il suo migliore amico. Ha undici anni, ci siamo capiti, e con noi il direttore artistico Emanuela Martini: “Tutta la macchina costa un milione e 900 mila euro, più o meno come l’anno scorso”, sicché l’assenza dei talent – il paragone implicito è la Festa di Roma – si spiega. Martini, in scadenza, ha messo le mani, e il programma, avanti: “In pensione non andrò mai”, e il rinnovo è ben gradito. Nel 2020 Torino si festeggerà Città del Cinema, tutto può accadere, e qualcosa è accaduto, a partire dalle nomine – dibattute, se non controverse – al Museo del Cinema: direttore Domenico De Gaetano e, appena battezzato, presidente Enzo Ghigo, già governatore. Vabbè. Meglio il guest director del Tff, Carlo Verdone, che sintetizza cinefilia propria e paterna (lo studioso Mario) in “Cinque grandi emozioni” da condividere con il pubblico: Viale del tramonto, Ordet, Divorzio all’italiana, Oltre il giardino e Buon compleanno Mr. Grape. Tra le opere prime e seconde del Concorso, Il grande passo di Antonio Padovan, prodotto da Betta Olmi, nel cast finalmente insieme i “gemelli diversi” Giuseppe Battiston e Stefano Fresi, mentre fanno Festa Mobile Asia Argento (narratrice di Frida viva la vida), Jasmine Trinca (Simple Women di Chiara Malta) e Ginevra Elkann, all’esordio alla regia con il locarnese Magari. Tra i doc, Vaccini. 9 lezioni di scienza di Elisabetta Sgarbi e il “terroristico” Colpiti al cuore, di Alessandro Bignami per Rai Movie, tutto il resto è horror, o quasi: madrina Barbara Steele, volto e terrore de Il pozzo e il pendolo e La maschera del demonio.

Non ci sono più certezze, nemmeno i Coldplay rifanno se stessi ma sparigliano le carte. Everyday Life, una sorta di doppio album composto da Sunrise e Sunset – in uscita oggi – è spiazzante. Chris Martin ha voluto alzare l’asticella e si è preso la totale libertà creativa di scrivere un concept partendo proprio da casa nostra e precisamente da Bolgheri: insieme al musicista Davide Rossi sono nate le prime tre canzoni, una delle quali, Arabesque, ha gettato le basi per creare un ponte immaginario tra Occidente e Oriente. Tracce complesse e raffinate, citazioni di poeti iraniani, speech estratti da documentari e film: un album molto cerebrale e politico nella scelta dei messaggi forti. Considerando che è un disco acquistato a scatola chiusa, sarà una bella sorpresa per i fan.

La prima traccia è il manifesto delle ambizioni di Chris: apertura ariosa, quasi sinfonica (Sunrise), per entrare, subito dopo, in un rock corposo (Church, una delle tracce migliori). Nel brano si ascolta Amjad Sabri, un cantante pakistano di tradizione sufi ucciso in un attentato; sorprende l’innesto dello speech con lo stile dei Coldcut usato in Paid In Full di Eric B. & Rakim. Poi si entra a piene mani nel gospel: con BrokEn i Coldplay ripercorrono la strada degli U2 di Rattle’n’Hum ma al posto dell’America qui c’è il medio-oriente. Come un diario di bordo di un viaggio si prosegue con la collaborazione più intensa, con Femi Kuti (figlio del grande Fela) e Stromae in Arabesque: basso incalzante e fiati senza tregua, finale in crescendo con saturazione dei suoni, una catarsi. Non è la world music del pioniere Peter Gabriel e nemmeno l’estro di David Byrne, piuttosto l’incursione di un curioso che si appassiona a una cultura nuova, alla stregua di Paul Bowles. La seconda parte si apre con un omaggio a T Bone Burnett (Guns) e il singolo Orphans, scritta anche dal figlio tredicenne Moses, leggermente irritante per l’uso smodato di cori di bambini, spesso ripetuti in altre canzoni. Nel blues Cry Cry Cry c’è un piano identico a Ritornerai di Bruno Lauzi, ascoltare per credere. Si chiude con la title-track, la perla del disco: inizia con un riff struggente (scuola Supertramp) e malinconico, un mix tra Up&Up e Trouble. Insomma tanta roba, finalmente una sorpresa da una band che non vuole perdere lo scettro globale della popolarità, ma ha voglia di sperimentare e confondersi un po’ le idee. Il gruppo si esibirà oggi in streaming su YouTube da Amman in Giordania alle 15 suonando integralmente la seconda parte dell’album Sunset (la prima, Sunrise, è stata trasmessa stamani alle 5). L’unico appuntamento dal vivo confermato ad oggi è il 25 novembre a Londra al Museo di storia naturale, riservato a chi ha effettuato il pre-order dell’album. Per il tour vero e proprio ecco le dichiarazioni di Chris: “Se ne riparlerà quando sarà sostenibile per l’ambiente. Dobbiamo trovare il modo migliore di fare il nostro lavoro: il nostro sogno è di avere uno spettacolo senza plastica monouso e alimentato a energia solare”.