Nessun dorma! A fare da monito contro le insidie del web arriva l’antica vicenda di Turandot, raccontata da Carlo Gozzi e resa immortale da Giacomo Puccini, ora trasformata dal compositore Raffaele Sargenti in una “fiaba futuribile” per parlare del complesso rapporto tra i giovani, internet e la tecnologia, senza tralasciare il delicato tema del potere economico e politico legato al possesso dei dati personali. Turandot.com – nuova produzione su libretto e musica dello stesso Sargenti, andata ieri in scena a Città di Castello per il Festival delle Nazioni – è infatti incentrata su un server-regina che possiede i dati di tutti i suoi sudditi, con potere e controllo illimitati, in un mondo dove le persone ormai non si incontrano quasi più e interagiscono solo virtualmente. All’interno di questa nuova dimensione il principe Calaf, giovane e incallito gamer, trascorre intere giornate in sessioni di giochi online, al punto di non accorgersi neanche dell’amore di Liù, studentessa di programmazione informatica. La loro storia potrà sbocciare solo quando i due finalmente si incontreranno dal vivo.

Turandot.com parla insomma della dipendenza da internet, diventata una realtà parallela dominata dall’ossessione per i like. Sulla scena anche un coro di ragazzi, nei panni del Popolo di Pechino, che sembra subire in modo acritico il fascino della tecnologia e ne continua a tessere le lodi. A differenza di Calaf, completamente perso dentro la realtà virtuale, Liù è un’adolescente che questa tecnologia la vuole studiare e vuole mantenere un atteggiamento critico. E Turandot? La regina del web resta fuori dal palcoscenico per tutta la durata dell’opera, ma è come se fosse sempre presente, il suo nome è costantemente ripetuto in codice “binario-musicale”.

Essenziale la scena ideata dal regista Tony Contartese: pavimento e pareti bianche per far spiccare monitor accesi e riquadri, oggetti che richiamano la moderna ossessione per l’inquadratura e il selfie. Quanto alla musica, melodie e bit sembrano aver trovato il modo di convivere, ma Sargenti è riuscito a elaborare anche parte del materiale di Puccini facendolo passare dentro un futuristico software di programmazione, riconsegnando al pubblico sonorità familiari. Se la vocalità di Calaf e Liù ricorda il parlato rapido e il balbettio che pervade le nuove generazioni, il Popolo di Pechino si esprime con un linguaggio più semplice e accessibile. Per questo ruolo, infatti, il progetto commissionato dal Festival ha coinvolto ragazzi del coro dell’Associazione Octava Aurea e dell’Istituto comprensivo Albero Burri di Trestina, anche con l’obiettivo di sensibilizzarli sui delicati temi tecnologici. Lo spettacolo ha già interessato appassionati di tecnologia e nerd: il compositore è stato infatti invitato a presentarlo a Firenze al Festival di Wired il prossimo 29 settembre.

Al piercing: “Sarai una mamma supercool, i tuoi follower saranno fieri per quanto sei coraggiosa”. Da piccola: “Mamma, mi filmi?”. Confessione: “A scuola non capivo quale era il mio talento”. Cazzimma cremonese, destinatario l’ex socio Riccardo Pozzoli: “Nessuno ha creato me se non me stessa”. Women’s empowerment: “Non ti serve un uomo per fare tutto questo”. Sogno (o son desta): “Cadere nel vuoto”. Chiara Ferragni, che parla in terza persona in ossequio alla “Chiara che vorrei”, sconfina al Lido: la promessa del documentario sui suoi primi trentadue anni, diretto da Elisa Amoruso, è Unposted, e qualcosa che la fashion blogger da diciassette milioni di follower non posti esiste davvero? Siamo influencer, oltre ai selfie c’è di più. Dal 17 al 19 settembre in sala, in Mostra ad asfaltare mediaticamente i nativi cinematografici, inquadra con agio e agiografia una ragazza “ossessionata dal non lasciare un segno nel mondo”: ce l’ha fatta, e anche ai nostrani cinematografari può insegnare qualcosa, innanzitutto, come affrontare una conferenza stampa. Non con ciancicata indolenza o strafottenza “autoriale”, ma con professionalità anglosassone: autopromozione, oh yes. Le cose belle del doc sono due: il damo di compagnia Fedez che, dinnanzi al castelletto con aria condizionata in cui vivono i di lei cagnini, chiede a Paris Hilton: “Ci paghi l’Imu?”; la prima macchina fotografica digitale – l’adolescente Chiara ci scatta 500 foto in poche ore con sommo sbigottimento paterno: “Ma che ci farai mai?” – le viene dalla raccolta punti Esselunga. E già tutto lì: il brand creò la Ferragni. Favorevole, e che doveva dire?, all’occultamento dei “mi piace” di Instagram, la lotta al cyberbullismo per futura missione, Leonardo DiCaprio per pena del contrappasso (ne era fan), Chiara giura: “Politica? Mai”. Avrebbe solo da perderci, conto corrente in primis. Lucrecia Martel ritira il premio Bresson, il doc Life As a B-Movie rispolvera l’erranza panica – X Mas, Castro, Celentano e le donne – di Piero Vivarelli, Placido svela all’Adnkronos il cast del suo Caravaggio: Bellucci, Garrell e Scamarcio Merisi, ma il Lido è solo Ferragni: “I post? Tutto in meno di cinque minuti, non c’è troppo pensiero”. Ecco.

Esce domani l’album perduto di Miles Davis Rubberband, registrato poco dopo la firma con la Warner, nel 1985. L’idea geniale è del nipote Vince Eilburn Jr., andato a ripescare i preziosi nastri del progetto incompiuto e a completarli insieme ai produttori originali Randy Hall e Zane Giles, trentaquattro anni dopo la registrazione negli Ameraycan Studios di Los Angeles. Vince aveva suonato la batteria in alcune tracce durante la session con lo zio Davis e ha deciso di “ricostruire” la struttura delle canzoni. Quando Miles lasciò la Columbia records dopo trent’anni – c’è chi dice per questioni di soldi e chi per la presunta rivalità con Wynton Marsalis –, aveva appena concluso You’re Under Arrest. Il disco è stato un tentativo parzialmente riuscito di portare nel repertorio alcuni standard pop di grande qualità, quali Time After Time di Cyndi Lauper o Human Nature, portata al successo da Michael Jackson oltre a un feauturing di Sting. Il risultato non fu del tutto eccellente, ma il solco della svolta era tracciato e così iniziarono le registrazioni di Rubberband con un sound decisamente più r’n’b e funky. Qualcuno sostiene che Miles volesse diventare crossover e puntare alle classifiche di Billboard e ai passaggi radiofonici, in realtà la coerenza del jazzista moderno per antonomasia seguiva l’evoluzione iniziata da lungo tempo, cambiando la sua pelle per aggiungere alla sua musica qualsiasi contaminazione con largo anticipo rispetto ai colleghi. Il suo fiuto di cambiare direzione è stata la sua vera cifra stilistica sin dai tempi di Bitches Brew del 1970, l’inizio della fusion per come la conosciamo oggi. Visionario e determinato a oltrepassare ogni frontiera della musica popolare, Davis fece di Rubberband il suo omaggio al funk e al groove degli anni magici del boom della disco. Davis suona la tromba e le tastiere con l’ausilio dei musicisti Adam Holzman, Neil Larsen, Wayne Linsey, Steve Reid e Glen Burris, oltre al nipote. L’incursione nel pop inizia con Rubberband of life (feat. Ledisi), un’ode al periodo d’oro dell’r’n’b con innesti funkettoni; ha un ritmo a cavallo tra hip hop e disco, è fruibile e danzereccio quanto basta e sorprendentemente attuale. This Is It ha un beat possente: un mix di Kid Creole e Grandmaster Flash. Il suono di Miles è filtrato, distorto, disturbato e affievolito eppure così terribilmente inquietante ed intrigante. A metà brano il sound è impalpabile e quasi sovrumano, mette davvero i brividi. Paradise feat. Medina Johnson inizia quasi come un brano qualsiasi di Rei Momo di David Byrne salvo poi svilupparsi con un beat stiloso e coretti à la David Bowie, periodo Young Americans. Atmosfera di grande libertà e virtuosismi, esattamente l’opposto di So Emotional feat. Lalah Hathaway, ballad abbastanza banale. L’attacco di Give It Up è puro aceed funk con un gran basso in prevalenza e virtuosismi degni dei Weather Report. Maze – dall’incedere lento e strutturato – è la traccia che suona più demo, sound anni ottanta e tocco di inquietudine grazie ai synth vintage. I Love What We Make Togheter feat. Randy Hall è un gran pezzo r’n’b influenzato probabilmente da George Benson e molti artisti dance anni novanta, da Narada a Whispers a Shalamar. Echoes In Time/The Wrinkle è la traccia più malinconica e meditativa: parte in sordina – quasi acustica –, per trasformarsi in una jam session fulminata e corposa. La title-track ha un synth tipico anni ottanta grezzo e inascoltabile.

La chitarra sembra rubata ai Police di Andy Summers. Rubberband venne accantonato in favore di Tutu, album che oggi potremmo definire il suo fratello gemello o una sua lieve evoluzione. Dal bebop al cooljazz, dall’hard bop al rockjazz, Miles incarna nel suo Dna la stella polare per ogni grande artista jazz cresciuto con lui e dopo di lui. E pensare che sua madre avrebbe voluto regalargli un violino…

Il formidabile Howard Jacobson è tornato (e già questo incipit, dopo aver letto uno dei suoi libri pieni di sarcasmo e sottigliezza, suona come il titolo di un manifesto del circo che sponsorizza il numero di un clown), con un romanzo dal titolo sardonico: Su con la vita (La Nave di Teseo). Lo scrittore di Manchester più corrosivo e divertente che esista ha messo al mondo una creatura chimerica: una storia d’amore in cui ogni pagina stilla avversione.

“Ero più uomo io di tutti gli uomini che ho avuto”, dice la vecchia bisbetica protagonista di questo lungo, nevrotico racconto, al termine di una vita popolata di uomini deludenti e mezze calzette, vita che sente scivolare via dalla sua memoria. “Ai limiti, si sta rendendo conto col passare del tempo, non c’è mai fine”. Questa frase è Howard Jacobson in purezza: ironia, disperazione, fragilità e un pessimismo totale verso il genere umano, la sola condizione capace di produrre piacevoli sorprese. Mai pittoresco, piuttosto feroce e puntiglioso come Dickens, Jacobson (Man Booker Prize per L’enigma di Finkler e altri svariati premi) non concede niente al lettore: è capzioso, amaro, spietato coi personaggi maschili ritratti nella loro fatuità insopportabile, devoto alle donne speciali e severo con le ordinarie, immune da tutti i tic del narratore di successo, tra cui il politically correct, la neo-religione degli scrittori di cui lui si infischia sovranamente. “Non sono arrivata alla mia età per spiegare l’uso dell’inglese di base a una sgualdrina moldava”, fa dire alla novantenne, un mix tra Bette Davis in Che fine ha fatto Baby Jane? e Karl Kraus.

L’autore è maestro di quel tipo di cinismo che per contrasto fa emergere l’anti-cinismo della salvezza, l’ironia che riequilibra tutti i rapporti, sgonfia le inutili enfasi, lenisce l’afflizione (ciò è esperibile anche grazie a un piccolo prodigio di traduzione: la traduttrice italiana Milena Zemirra Cicimarra conosce Jacobson al punto da interpretarlo nel pieno fulgore della nostra lingua).

La trama sono i personaggi, ha sempre sostenuto lo scrittore; tutti i suoi personaggi sono talmente intarsiati, come colpiti dalla grandine da ogni lato, che suscitano sentimenti contrastanti e profondi, come i protagonisti di miti contemporanei. Ci sono sempre madri soverchianti o aggressivamente remissive, figli potenzialmente incestuosi o insopportabilmente vitali, padri futili, amanti amati quanto meno meritevoli (“Aveva un debole per idioti e cadaveri”). Jacobson conosce tutte le pieghe della lingua perché conosce tutte le pieghe dell’eros. Non si pensi al porno soft né alla disperazione nel grottesco di Philip Roth: i dettagli fisici per Jacobson sono al più spiacevoli inconvenienti utili a guardare in profondità dentro le menti. Il sesso scandagliato da Jacobson è sempre cerebrale; è politica, storia, antropologia e persino farsa, come nel suo capolavoro Kalooki nights (ed. Cargo, in via di riedizione da La nave di Teseo) e in Un amore perfetto (“Non saprei spiegare per quale ragione sia così indispensabile, perché io mi innamori di una donna, che uno di noi due si senta in qualche modo offeso. Il mio impulso è di rigirare la domanda: come fa la gente a legarsi sentimentalmente a qualcuno laddove non esiste nessuna storia di disprezzo, nessuna traccia di ignominia a stimolare la passione?”).

La trama è tutta qui, e tutta analogica (non ci sono social network o telefonini; sui figli della signora, entrambi politici, uno di sinistra e un conservatore, Jacobson fa convergere tutto il suo disgusto), disegnata da personaggi che sembrano figurette ricamate su seta. La vita bizzarra (in fondo, non è mai troppo tardi per niente) farà incontrare l’anziana femme fatale con un coetaneo misantropo, “spaventato e oppresso”, inquinato da “veleni che non abbandoneranno mai il suo corpo”, che legge le carte agli avventori di un ristorante cinese. L’alchimia, dopo centinaia di pagine inzuppate di acido, è un elisir delizioso.

Col suo collettino svizzero psicologico, Jacobson racconta la paura di morire “scivolando come un’ostrica in una gola spalancata”, ineluttabile fine a cui si può opporre resistenza gloriosamente con due soli metodi: l’amore e la letteratura. In una intervista Jacobson disse di avere un senso tragicissimo dell’esistenza, e di ritenere questo francamente esilarante. Su con la vita, dunque: è orribile, ma l’alternativa è seccante.