Süden è diario di un viaggio in continuo divenire, di un’avventura iniziata come incontro fra culture e poi evoluta in laboratorio creativo di nuovi linguaggi espressivi. Parole italiane e parole tedesche concorrono, e si alternano nel racconto, sorrette da una musicalità che annulla distanze, azzera confini fisici o mentali che siano. L’esperienza continua – alle spalle un tour europeo di un anno mezzo e oltre 60 mila copie vendute con il primo Süden – e con l’uscita del secondo capitolo, Süden II, raggiunge una matura consapevolezza delle potenzialità di questo insolito trio. La sua storia parte da lontano. Da un incontro fortuito durante un concerto in Baviera, 2002, che in breve tempo evolve in stima reciproca, in voglia di confronto. Già nel 2010 il duo Schimdbauer & Kälberer è diventato un trio. La sensibilità del folk-singer tedesco si completa con la passione di Pippo Pollina, l’eclettismo di Martin Kälberer infonde nuove profondità a un canzoniere sempre più ricco.

A rendere naturalmente più omogeneo l’incontro fra la sensibilità ben radicata nella realtà di Pollina, cantautore di straordinaria contemporeneità per cui la musica non può essere solo accompagnamento della parola, con quella di Werner Schmidbauer, artista capace di combinare l’ambiziosa canzone d’autore bavarese con la tradizione del folk americano, c’è eclettismo di Martin Kälberer, polistrumentista e arrangiatore di spessore, vero centro musicale del trio. Il passaggio da una lingua all’altra trova forza espressiva in arrangiamenti che spaziano dalle atmosfere più intime, sottolineate dalla presenza di archi, alle coloriture intense di un pop colto. Scritto a sei mani, Süden II, con i suoi 15 brani, si presenta con la freschezza di un live. “Alla base c’è la scelta di non interferire mai fra di noi, di non rimanere ancorati ai nostri personali patrimoni culturali e artistici ma al contrario di metterci in relazione col mondo intero cercando di non escludere alcuna opportunità, e ciò ci arricchisce a ogni incontro”. Magia che il trio spiega così, visto il risultato c’è da crederci.

Sesso, droga, rock’n’roll e biopic. In tempi così distanti dall’epoca aurea dello starsystem musicale – gli eterni, immarcescibili anni Sessanta/Settanta/Ottanta – sembra essere questa la formula vincente per fare audience e soprattutto smuovere vecchi cataloghi. The Dirt, il film sui Mötley Crüe prodotto da Netflix in streaming sulla piattaforma dal 22 marzo, è solo l’ultimo esempio, dopo il boom epocale di Bohemian Rhapsody e in attesa del film su Elton John che promette altrettanti sfracelli. Quantifichiamo per dare un’idea: a una settimana dall’uscita, i download da iTunes della musica della band californiana sono aumentati del 2027%. Un dato che si può interpretare in vari modi (per esempio ci si può chiedere quanto vendessero on line i Mötley Crüe prima di essere benedetti da Netflix) ma di certo impressionante. Insomma: il biopic rock’n’roll tira, e forse oggi è l’unico vero veicolo di trasmissione di una mitologia della quale si sono nutrite tre o quattro generazioni. E pazienza se l’adesione alla realtà storica non è esattamente millimetrica, o se si finisce spesso per edulcorare storie e personaggi. The Dirt può essere forse criticato sul primo versante, difficilmente sul secondo. La percentuale per fotogramma di eroina, cocaina, alcol, overdose, orge, blowjob sotto i tavoli, scopate nei camerini e svariati altri esempi di devastazione fisica e morale è infatti altissima. E quindi perfettamente adeguata ai protagonisti. I Mötley Crüe, nella loro programmatica e sguaiata decadenza, hanno incarnato gli eccessi della Babilonia rock in un modo che sconfinava quasi nel cartoon (non a caso viene citato a un certo punto, non proprio in maniera commendevole, persino Walt Disney). Del cartone animato The Dirt ha diversi pregi: velocità, ritmo e una buona dose di humour caciarone. E sono proprio il senso dell’umorismo e lo spirito da gang a rendere alla fine quasi simpatici, nonostante la turpitudine dei comportamenti, questi quattro rifiuti della società. E il fatto che ciascuno di loro, in modi diversi, sia stato colpito da tragedie di vario tipo contribuisce ad umanizzarli una volta eliminati gli effetti speciali, i fuochi d’artificio, le paillettes e le orripilanti acconciature cotonate. Eccellenti gli attori: dal rapper Machine Gun Kelly nei panni di Tommy Lee a Douglas Booth in quelli del leader carismatico ma insicuro Nikki Sixx, da Daniel Webber che interpreta il cantante Vince Neil a Iwan Rheon, il cattivissimo Ramsey Bolton del Trono di Spade che qui dà un tocco di malinconica sobrietà (per quanto possa essere sobrio uno che ha suonato nei Mötley Crüe) al chitarrista Mick Mars.

Pochi i riferimenti al mondo che circondava la band, fosse quello dell’hair metal da Mtv o quello del grunge. Solo in una sequenza si vede un murale con la copertina di Ten dei Pearl Jam, implicito segnale di un passaggio di consegne. O forse di un prossimo biopic.

Fiorello provoca Raffaella: “Su questo divano possiamo fare il tuca tuca da anziani!”. È il passaggio cult della prima puntata di A raccontare comincia tu, giovedì alle 21.30 su Rai 3. Sei incontri d’autore per la Carrà: dopo Rosario sarà la volta di Sophia Loren, Leonardo Bonucci, Riccardo Muti, Paolo Sorrentino e Maria De Filippi. Spiega il direttore di Rai 3 Stefano Coletta: “Raffaella entra con umiltà nelle vite degli altri”. Lei ha ceduto dopo un lungo corteggiamento: “Non avevo bisogno della tv, mi ha convinto l’idea di queste interviste. Con ognuno ho cercato intimità. Oddio, di fronte a Muti ero emozionata”, ride la Carrà, “ma con Sophia a Ginevra è stato come scoprire una sorella. Le ho chiesto di Cary Grant innamorato di lei, ma continuava a glissare”. Per Bonucci è andata a casa Juve: “Ho incontrato anche Chiellini. Che magri ‘sti calciatori. Ma li fanno mangiare?”. Ha cazziato amorevolmente Sorrentino: “L’ho ringraziato per la mia canzone nella Grande bellezza. Però quella scena con tutti quei drogati che ballano, uhm”. L’unica puntata ancora da girare è con la De Filippi: “Se faremo la pace? Ma ho incontrato Maria una sola volta, quando avrei litigato? Io ad Amici? Vedremo”. L’unico a dirle no è stato Benigni, mentre Mina è rimasta un’ipotesi. Di politici neanche l’ombra. Ma la Carrà minaccia: “Dopo le europee!”. Raffaella ha un cruccio: “Non ho mai capito perché non mi abbiano chiesto di rifare Carramba. Era uno spaccato dell’Italia che si ricongiunge. Oggi ci aiuterebbe a essere più aperti di fronte a chi viene qui”.

Senso della posizione e dei ruoli: “Sono io che corteggio i banchieri, corrompo i monsignori, porto i soldi dei politici alle troie e ai funzionari della televisione. Sono io quello che non dorme la notte perché puzzo talmente di merda che non riesco ad abbracciare nemmeno le mie figlie quando torno a casa”. Quindi “la formula della Coca Cola” per capire la corrente, non affogare, magari nuotare a Roma: “In questa città ci sono due regole fondamentali: nessuno dice quello che pensa, e nessuno fa quello che dice”. Parola di Oscar Martello, alias Luca Barbareschi, nel film Dolceroma (in sala da giovedì), tratto dal bel libro di Pino Corrias Dormiremo da vecchi (Chiarelettere, 2015).

Un’ora e trenta e spicci, per il classico gioco degli specchi, o delle sovrapposizioni di piani: Pirandello ha raccolto bene e seminato molto; è il vero, appena vero, verosimile, possibile sia vero? Oddio, lo avevo sempre detto! Tutto all’interno del mondo cinematografico, con i cliché diventati assioma: mignotte, sesso, morte. Droga? Sì, ma senza esagerare. E ancora ricatti, violenza, sopraffazioni, criminalità organizzata, fino a tornare alla prima regola di Abel Ferrara: “Il cinema è dei gangster”.

Il mix si sviluppa attraverso la storia di un giovane scrittore, ovviamente spiantato, scontento, provinciale e corroso dalla noia: all’improvviso scopre che il suo sforzo letterario ha sedotto Il produttore più in voga del momento.

Ed ecco la Capitale.

Ed ecco lo sguardo dietro al sipario.

Il film è una via di mezzo tra l’istantanea seria anche se sognatrice de La grande bellezza – con i suoi radical chic appollaiati sugli attici, lesti solo a brindare e ballare – e l’ironia folle e istrionica di una serie come Boris, con il dietro le quinte portato a sistema.

Roma è nuda, con le sue dinamiche, i rapporti di forza, la violenza, il compromesso, la volubilità diventata sistema, la necessità di sorridere, di ingoiare: è la base di un mondo spesso idealizzato, comunque ambito. Pericoloso. Qui basta saper mentire, o quantomeno imparare, perché non esiste verità, ma – come ripete Gabriele Lavia nella sua rappresentazione de I giganti della montagna (sempre Pirandello è) – “Io invento la verità”; sono gli altri a doverci credere, o fingere di farlo. Altrimenti chi è in auge ti affoga e i ruoli non sono ben definiti, solo da definire, e chi è dentro lotta perennemente per evitare l’espulsione; chi è fuori lotta perennemente per cercare l’inclusione, fino a perdere il tracciato delle molliche di Pollicino. Spiega Vittorio Cecchi Gori: “A volte penso che la mia vita stessa sia un film, perché tutto può essere o diventare una pellicola di successo”. Capita. Dipende da “cosa sei disposto a perdere”, canta Jovanotti, o da quali sono i limiti: secondo Oscar, ovviamente non ci sono, per questo “lui ti promette l’inferno, ti ci porta, e poi ti ci lascia con il conto da pagare”, si sfoga Jacaranda Ponti (Valentina Bellè), la protagonista di Dolceroma.

Quanto c’è di vero? Leggendo il libro di Corrias, la verità sta oltre l’approdo finale del film, e anche secondo le cronache, o i racconti di chi il gioco lo conosce, nella realtà certe debolezze sono più marcate: il sesso è centrale, da quello non si sfugge (Harvey Weinstein ha tracciato il solco), la droga non è proprio occasionale, come i rapporti di forza, la ricerca dei finanziamenti, la necessità di un manuale Cencelli per comporre il cast, magari si è obbligati a ingaggiare una “cagna maledetta” ( Boris dixit). A quanto pare succede. Ma basta saper mentire, accettare, sorridere, “altrimenti: cosa ci fai a Roma?”