È divertente pensarlo così Gianmarco Pozzoli, mentre sistema di soppiatto i figli davanti a YouTube e nel tempo libero guarda i peggiori video che la Rete possa custodire. Come in un distopico (ma neanche troppo) spin-off di The Pozzolis Family. Attore e autore di lungo corso (vedi alla voce Zelig) è il “Giamma” della famiglia più conosciuta della Rete, che racconta cosa significa essere una coppia e volere (o non volere) dei figli, senza perdersi troppo in ninnoli. Lui e Alice Mangione, genitori di Giosuè e Olivia – “aspettiamo l’autorizzazione della polizia per coinvolgerli in una compagnia teatrale, per sfruttarli al meglio” – sono pronti al debutto di A-live! Perché sopravvivere ai figli è una cosa da ridere!, che andrà in scena sabato 6 al Teatro Nuovo di Milano (già tutto esaurito) domenica 7 aprile al Teatro delle Celebrazioni di Bologna e il 18 al Brancaccio di Roma.

Per ogni tappa sarà presente all’interno della struttura un’area bimbi a cui i genitori potranno affidare i piccoli a partire dai 3 anni.

Spettacoli live, un nuovo libro – il 9 aprile arriva per Mondadori L’amore si moltiplica – e molti progetti che li portino sempre più altrove rispetto al punto di partenza che li ha resi celebri: “Vorremmo realizzare la serie tv della Pozzolis Family, un prodotto off, che sia sulla scia di ciò che vediamo su Netflix”. Detta così sembra qualcosa di lontano dalle sit-com che spesso hanno rappresentato le famiglie italiane, specie quelle di spiccata matrice ironica: “Immagini un Casa Vianello con Homer Simpson e delle incursioni di animazione all’avanguardia. E poi pensi se fossero i bimbi a guidare i genitori, con il punto di vista che cambia in base alla crescita”.

Una strategia editoriale chiara, come forse quella che c’è stata prima che la Pozzolis nascesse: “Non l’abbiamo neanche studiato troppo. La cosa curiosa è che in questo progetto c’è molto cuore e poca testa, in rapporto inverso rispetto a quanto succede, in genere, sul lavoro”. Chiaro, la tecnica c’era. “Io ho 25 anni di palco e scrittura alle spalle. Alice un po’ meno, ma solo per una questione anagrafica: ha 34 anni, io 47”. Una differenza d’età che ha giovato anche ad altro. A non avere mai la percezione, per esempio, di dover allineare due spiccate individualità per offrire il ‘pacchetto famiglia’ che piace al pubblico. “È lei la frontman, ma non mi è mai interessato il contrario. Fossi stato più giovane, forse, avrei avuto questo tipo di smania, ma non ho mai sentito questa difficoltà”. Lui per primo è stato contagiato dagli interessi di Alice, che lo hanno portato a diventare un personaggio di riferimento per un pubblico prettamente femminile: “Secondo le nostre analisi, ci seguono in prevalenza donne (94%). Quelle più giovani ci dicono che sarebbe stato bello avere dei genitori come noi. Altre si confrontano. Gli uomini dove sono? O pensano di essere più bravi o, semplicemente non si fanno domande”.

Uno squilibrio di pubblico che aveva registrato anche un altro artista nato in rete, Guido Catalano, che pure Pozzoli cita nel video in cui chiede in moglie Alice: “Non so cosa abbiamo in comune, a me piace moltissimo, perché fa quel tipo di ‘poesia spettacolo’, se così possiamo chiamarla, che avvicina le persone al teatro”.

La pausa per l’intervista è finita, è tempo di tornare alle prove, e allo ‘spin-off’: “È chiaro che dopo aver parlato di come far viaggiare i bambini in maniera sicura e aver affrontato l’alimentazione sostenibile tutto il giorno, io mi diverta a fare zapping su Facebook e sì, mi diverto a vedere il peggio, tipo le risse tra russi”.

Per lei ogni volto aveva una storia, e a ogni storia Agnès Varda ha dato volti inconfondibili. Ci ha lasciato alla vigilia dei 91 anni l’immensa artista belga a cui è facile “imporre etichette” altisonanti e colte per una vita/carriera che ha fatto la Storia del cinema, quella maiuscola.

Ma se colta lo era, Agnès si sarebbe ribellata sia davanti alla parola “imporre” sia, ancor di più, alle “etichette”, perché stiamo parlando di una donna refrattaria alla logica della definizioni, col suo sguardo “senza tetto né legge”, per dirla con il titolo di un suo capolavoro del 1985, acclamato Leone d’oro a Venezia.

Nata da padre greco e madre francese, diventa fotografa giovanissima e già a 18 anni è in grado di formulare il proprio stile: cambia nome da Arlette ad Agnès e assume il taglio a caschetto che l’accompagnerà per sempre, con la variante da qualche decennio dell’inconfondibile bicolorazione.

Se la fotografia è sempre stata il suo “parametro visivo”, è doveroso “uscire da un fraintendimento” come giustamente osserva Nicola Falcinella (Agnès Varda – Cinema senza tetto né legge, ed. Le Mani, 2010): “Non si tratta di una fotografa che fa film, i suoi non sono film di una fotografa. (…) Varda è un’artista figurativa in senso ampio” e che approda al cinema perché fra le arti lo considerava “la più difficile”.

Il paradosso, se così vogliamo intenderlo, è che a lei interessavano le cose “semplici”, i dati elementari dell’esistere: dalla famiglia, alle azioni quotidiane, dalla vita di coppia ai rapporti d’amicizia.

Osservarli per farne ritratti autentici, paesaggi umani dotati di profondità di campo e di spirito. Per la celebrazione della libertà e l’avversione alla narrazione classica espressa nei suoi film degli anni 60 (Cléo dalle 5 alle 7 – 1962, Il verde prato dell’amore – 1965, Les Créatures – 1966) è stata definita “rappresentante della Nouvelle Vague” fondata dall’amico Jean-Luc Godard: ma lei anche in questa definizione si sentiva stretta.

Sposata con “l’amore della sua vita”, il regista Jacques Demy, amica intima di Jim Morrison e di Jane Birkin, Varda non conosceva limiti nella curiosità e capacità di guardarsi attorno e guardare oltre con incanto e disincanto insieme, e i suoi numerosi documentari l’hanno ampiamente dimostrato.

Con Visages Villages (2017), realizzato con il fotografo “dei grandi collage” JR, raggiunge vette straordinarie di bellezza e d’intelligenza nell’illuminare il ruolo democratico dell’arte; il doc è candidato all’Oscar nel 2018 contestualmente alla decisione dell’Academy di attribuirle quello alla carriera: Agnès Varda è la prima regista donna della storia a riceverlo.

Lo scorso febbraio, alla Berlinale, ha accompagnato il suo ultimo, sublime lavoro, Varda par Agnès, un eccezionale testamento visionario e spirituale per farci sentire che lei è sempre con noi.

Se il Premio Strega ha ancora la funzione di dirci qualcosa di vero e attuale sul panorama letterario italiano, l’edizione 2019 indica una direzione nuova: l’Italia fuori dall’Italia, che vive e racconta l’estraneità, fra conflitti interiori, compromessi esistenziali e aperture ad altre latitudini.

È il tema che attraversa cinque dei 12 libri finalisti. Nel suo romanzo di formazione L’età straniera (Marsilio), Marina Mander racconta lo scontro, poi incontro, fra due adolescenti diversissimi, il borghese Leo, orfano di padre, e il ragazzo di vita Florin, rumeno, che dal padre è costretto a prostituirsi. Libro nato per raccontare l’adolescenza, età straniera per eccellenza, e diventato poi romanzo civile: “Bisogna accettare l’estraneità e l’irriducibilità dello straniero. Il problema non è capire e assimilare, ma rispettare la singolarità di ogni essere umano” dichiara la Mander, in quello che suona come un attualissimo appello a una presa di posizione politica. La ragione è anche biografica, e bisognerà capire se si tratta di una casualità o di una tendenza, lo specchio di una nazione che è tornata all’espatrio di massa, senza più le convenzionali distinzioni socio-economiche.

Quattro delle finaliste vivono fra l’Italia e un’altra Capitale europea: Parigi per Eleonora Marangoni, Londra per Claudia Durastanti, Benedetta Cibrario e Cristina Marconi (la Mander è di Trieste). Sono le figlie della nuova diaspora, spinte a espatriare non dal bisogno, come gli immigrati degli anni Cinquanta, ma da una scelta vitale di esplorazione e cosmopolitismo. È una provvisoria mappa intellettuale espatriata da seguire con attenzione perché indaga, da prospettive originali, la mobile relazione fra le radici e il futuro.

Con lo spaesamento perenne, incurabile, di Claudia Durastanti ne La straniera (La nave di Teseo) autobiografia emotiva di un’anima misplaced ovunque, nella sgangherata famiglia, nella pena sempre nuova del rapporto con la madre, in ognuno dei luoghi dove la porta la vita: la colonia italiana di Brooklyn in cui è nata, la Basilicata in cui vive dai 6 ai 18 anni, radicata ma per sempre straniera nella percezione degli altri, poi una Londra umida, cupa, ostile, da cui mai si sente accettata o compresa. “Quando una città ci respinge, quando non riusciamo a entrare nei suoi meccanismi più profondi e siamo sempre dall’altra parte del vetro, subentra una sensazione frustrata di merito, che può farsi malattia. Straniero è una parola bellissima, se nessuno ti costringe a esserlo; il resto del tempo, è solo il sinonimo di una mutilazione, e un colpo di pistola che ci siamo sparati da soli”.

Con una considerazione preziosa, privata ma forse non esclusiva, sulla vertigine delle possibilità: la nonna emigrata in America a 42 anni, senza mai imparare bene l’inglese “si è adattata molto meglio di quanto abbia fatto io a Londra, in pieno possesso della lingua nazionale e sul finire dei miei vent’anni. È facile pensare che lei si sia adattata perché non aveva scelta e che io mi sia lasciata andare alla malinconia perché di scelta ne avevo fin troppa e nessun posto mi era precluso: mentre lei cercava di mettere radici, io continuavo a chiedermi se avessi fatto questo o se avessi fatto quello, immaginando mille altre destinazioni, concentrandomi su tutti questi ‘se del sé’: per me la migrazione coincide proprio con questa ramificazione, e ogni diramazione è una vita possibile”.

Ne Il rumore del mondo (Mondadori) Benedetta Cibrario porta tre giovani donne inglesi da Londra, già allora Capitale del mondo, alla Torino dell’Ottocento. Un altro romanzo di formazione personale, sullo sfondo più ampio della creazione dell’identità nazionale italiana. L’accurata ambientazione storica vale in sé, ma il romanzo è estremamente contemporaneo nel raccontare il dialogo fra due mondi e due paesi, oggi come allora, più vicini di quanto si creda. E nel tenere sempre aperte le frontiere, mentali e geografiche, fra identità capaci di aprirsi al rumore di altre vite.

E poi Città irreale (Ponte alle Grazie) di Cristina Marconi. Definito “folgorante debutto”, di folgorante ha senz’altro il fatto di non avere nessuna delle debolezze delle opere prime. Grazie al totale dominio della struttura e a uno stile sofisticato e potentissimo ribalta tutti i clichè perpetuati dalle cronache giornalistiche sull’emigrazione dei cervelli. Ed è il primo esempio di romanzo-manifesto non solo di una generazione, ma di una “condizione”: quella delle centinaia di migliaia di ragazzi italiani alla ricerca di un luogo tanto vivo quanto l’Italia è morente.

La protagonista Alina si fa imprigionare dall’incantesimo di Londra, irreale per eccesso di possibilità e potenzialità, poi ne viene respinta, si rintana nella comunità italiana, poi torna nell’orbita di un amore inglese. E resta intrappolata nella perenne eccezione, stavolta irreale per difetto, che è la vita in un paese straniero, fra nuovi legami indissolubili e nostalgie per una Italia che sempre la attrae e sempre la delude. “Volevo cogliere la scintilla che c’è dietro la scelta di partire, di farsi stranieri, di preferire l’avventura a qualunque forma di stabilità o di accettare che l’avventura rimanga parte della stabilità, ogni giorno” racconta al Fatto la Marconi. “E poi quando l’avventura si fa collettiva avviene un paradosso: la scelta più personale è la stessa di tutti gli altri, e l’eroina rischia di sentirsi sempre una delle tante, come in una stanza degli specchi. Ma Londra è abbastanza grande per accogliere molti eroi ed eroine e garantire loro spazio, ossigeno e anonimato”.