Come Shakespeare, come Molière, anche Agatha Christie – sul palco – sta in piedi da sola: funziona con poco, ma anche con il troppo di un allestimento libero e iconoclasta. Giochi di prestigio – diretto da Pierpaolo Sepe, adattato da Edoardo Erba e in tour fino a metà marzo – è un giusto compromesso, anche se ai puristi (della giallista) potrebbero non tornare i conti.

Indubbiamente originale è la Miss Marple di Maria Amelia Monti, svanita e cinica al punto giusto, sbevazzona un po’ oltre il consentito. La signora è qui alle prese con un delitto spiazzante, coperto da un altro, mancato omicidio: siamo nella desolata e lugubre campagna inglese degli anni Quaranta, in una famiglia molto allargata, di cui “capo” è Lewis, filantropo e utopista, e consorte è Caroline, ex compagna di college di Jane Marple, più codazzo di figli e figliastri (Gina, Mildred, Alex, Christian) e un poco commendevole segretario, Edgard, autistico e violento.

Essendo un giallo, ma essendo pure una pièce tradizionale, vi è unità di tempo, luogo e azione, e non è l’unica convergenza tra thriller e arte drammatica: una, ad esempio, ha talento per la recitazione; un altro sta imbastendo uno spettacolino con i ragazzi borderline aiutati da Lewis; la tenuta ospita al suo interno un palcoscenico; l’assassino, infine, come un abile mago o uno scafato commediante, fa fessi tutti con un trucco risibile. Potente, fatale è la scena della ricostruzione del delitto ma, dal titolo alla trama, tutto rimanda al metateatro, rendendo la storia qualcosa di più pensoso e universale rispetto a una, pur intrigante, pistolettata. Il regista è esplicito: “Bisogna essere grandi prestigiatori per raccontare i gialli, e dove, se non a teatro – il luogo della dissimulazione per eccellenza – può riuscire il trucco più rischioso di tutti?”.

Energico il cast (Roberto Citran, Sabrina Scuccimarra, Sebastiano Bottari, Marco Celli, Giulia De Luca, Stefano Guerrieri, Laura Serena) e agile e divertente la riscrittura di Erba, nonostante l’umorismo (pseudo)inglese non sia sempre colto dal pubblico italiano. L’atmosfera, però, è talvolta spinta, tesa, cupa: d’accordo che sono tutti un po’ pazzi, e/o papabili omicidi, ma le “telefonate” e gli ammiccamenti sono eccessivi, così come l’onnipresente sottofondo musicale e i gridati dei già microfonati interpreti.

Monti/Marple è una vecchia conservatrice, pettegola, deliziosa e acida in egual dosi: ama l’ordine imposto dalle classi sociali, “non ha categoricamente fiducia nel genere umano” ed è così intelligente da sentirsi libera di dire stupidaggini, sulle lumache come sulle talpe, sull’oca in giardino, sul maglione del nipote, sui vicini di casa di St. Mary Mead… Ha capito ogni cosa lei: non perché non reciti una parte una commedia, ma perché finge molto meglio degli altri. Ah, gli attori, “tutti criminali mancati”.

 

Dopo il successo di Soldado, Stefano Sollima dirigerà per la Paramount il suo secondo film negli Stati Uniti intitolato Without Remorse, un adattamento dell’omonimo romanzo del 1993 di Tom Clancy interpretato da Michael B. Jordan, appena reduce da Black Panther e Creed 2. In azione il personaggio di John Clark, un ex Navy Seal diventato agente della Cia che cerca di vendicare la morte della compagna uccisa da un narcotrafficante.

Kenneth Branagh sta completando per la Disney il montaggio del suo Artemis Fowl, un adattamento kolossal in uscita ad agosto 2019 di una serie di libri fantasy per ragazzi dell’irlandese Eoin Colfer, incentrata su un miliardario dodicenne genio del crimine e interpretata dal giovane Ferdia Shaw oltre che da Judy Dench e Lara McDonnell. È già pronto intanto per l’uscita nelle sale All is True, un secondo film diretto in totale segretezza da Branagh di cui il 58enne attore e regista irlandese è anche interprete – nel ruolo di Shakespeare – accanto a Judy Dench e Ian McKellen. Racconterà gli ultimi tre anni di vita dello scrittore scomparso nel 1616, in particolare il periodo in cui, dopo l’incendio del Globe Theatre, fece ritorno nella sua Stratford affrontando un passato travagliato e una famiglia trascurata.

Penelope Cruz reciterà con Gael Garcia Bernal,Wagner Moura, Pedro Pascal ed Edgar Ramirez nel thriller Wasp Network di Olivier Assayas dove alcune spie cubane animano negli anni 90 una rete terroristica con la complicità del governo statunitense. L’attrice spagnola sarà anche interprete con Jessica Chastain, Marion Cotillard, Lupita Nyong’o e Fan Bingbing di 355, uno spy thriller con agenti segreti donne (le protagoniste), diretto da Simon Kinberg, l’autore dell’imminente X-Men: Dark Phoenix.

Un poeta di cinque anni, una maestra capace di scoprirne il talento, tutt’attorno un’umanità indifferente se non ostile. Il romanzetto di formazione sembra già perfetto e la sua trama pronta a svelarsi, ma non è così. Piacevolmente ingannevole, Lontano da qui di Sara Colangelo non è quel che appare, e questa è un’ottima notizia.

Certo, quei pochi che erano al corrente del fatto non si tratti di materia inedita potrebbero sminuire il lavoro della regista italo-americana, ma cadrebbero nella solita trappola tesa a quel mondo sommerso dei soggetti (letterari, teatrali, pittorici e artistici in generale) reiterati nei secoli da mani o sguardi diversi e – talvolta – riemersi in forma di opere d’arte. In fondo, quante Madonne con bambino esistono nella storia dell’arte ma quanti pochi i capolavori che ne derivano?

Fatte le dovute premesse, The Kindergarten Teacher (questo il titolo originale) nasce dal libro semiautobiografico dell’israeliano Nadav Lapid che ne aveva adattato alcuni anni fa un omonimo film “locale”. Colangelo, 37 anni, mezza italiana ma cresciuta negli States dove si è formata alla New York University, è rimasta folgorata dalla storia e ha optato per un remake americano “indie” ma dalle star hollywoodiane (Meggie Gyllenhaal e Gael Garcia Bernal). Ciò che fa la differenza tra i due testi è il punto di vista, ovvero tutto, se ragioniamo in termini di narrazione. Lapid partiva dal baby-poeta prodigioso, Colangelo assume lo sguardo della maestra e in tal senso “rende adulta” la valenza psicologica del film, complicando e stratificandone la portata. Perché l’insegnante d’asilo Lisa Spinelli (Gyllenhaal, superlativa e forse al suo meglio) nonché aspirante poetessa – frequenta i corsi serali tenuti dal letterato G.G. Bernal – è consapevolmente frustrata e non appena entra in contatto con il raro talento del suo piccolo alunno sceglie di prendersi cura di lui, stimolandone la vena creativa. Ma nel suo pur ammirevole gesto di protezione del bimbo da un mondo insensibile all’arte, ne vampirizza le liriche intuizioni.

Raccontando essenzialmente l’incontro di due anime diversamente solitarie, Lontano da qui ha il pregio di mantenersi enigmatico mentre rivela la doppia vita di Lisa: quella reale e quella ideale. Ed è tale il desiderio della donna di sovrapporre le due esistenze da perdere il contatto con il buon senso, da lei interpretato quale il grande nemico della poesia accanto a una contemporaneità dove nessuno sa più ascoltare. Film sapientemente ambiguo ai confini del thriller psicologico, profondo, sottratto e loquace di silenzi intensi che ci scavano dentro, perché in fondo Lisa Spinelli siamo un po’ tutti. Sara Colangelo aveva debuttato “in lungo” nel 2014 con Little Accidents e il Sundance l’aveva arruolata in programma: con questa sua opera seconda non solo torna al festival ideato da Redford, ma ne vince il premio da miglior regista: è nata una stella?

Fabio Cianchetti, direttore della fotografia di lungo corso, non ha tempo per godersi il successo mondiale de L’amica geniale, serie tv tratta dal best-seller di Elena Ferrante. Con il regista Saverio Costanzo è già al lavoro per il sequel. “Abbiamo fatto le riunioni preliminari, inizieremo le riprese a marzo, con l’entusiasmo che ci viene dai risultati della prima edizione: più di 7 milioni di spettatori in Italia, diritti venduti in tutto il mondo”.

Si aspettava questi risultati?

Il successo era nell’aria, ma è andato oltre le aspettative. Per una vita ho fatto film d’autore per un pubblico di nicchia. Certi numeri mi fanno impressione.

Più pubblico, meno qualità?

Non sempre è vero. Ci sono pessimi film e ottime serie tv. Sul piano tecnico i linguaggi stanno convergendo. A me piace fare entrambe le cose.

Com’è andata la collaborazione con Costanzo?

Avevo già lavorato con lui. È uno che sa operare in squadra. Ha funzionato bene il coordinamento fra scenografia, fotografia e costumi. Per la coerenza estetica è un fatto decisivo.

Come avete impostato la fotografia?

Abbiamo scelto di avvicinarci a un’immagine da pellicola, più calda e delicata rispetto alla definizione elettronica. Per questo abbiamo usato ottiche un po’ rétro. Scelta che ha giovato alla trasposizione del romanzo.

Con Elena Ferrante avete mantenuto un contatto?

C’è stato un dialogo continuo fra il regista e l’autore o autrice. Sempre e soltanto via email.

Nessuna indiscrezione sul vero nome?

Sul set giravano varie voci, ma il mistero è rimasto e forse è bene così.

Per i nuovi episodi è già pronto il set.

Un’opera imponente. Un intero quartiere della periferia di Napoli ricostruito a Caserta, dove sarà trasferita tutta la produzione. E dire che quest’avventura poteva finire in tragedia…

In che senso?

Giravamo a Ischia dentro un autobus in corsa. In discesa si sono rotti i freni, eravamo in venti tra attori e tecnici. Momenti di panico, poi per fortuna l’autista è riuscito a fermare il mezzo al lato della strada e tutto è finito senza danni.

Come sta il cinema italiano?

Ha vissuto momenti migliori. Deve tornare a essere un’industria capace di progetti ambiziosi. Spero che questo successo internazionale possa rappresentare una svolta, un’occasione di rilancio per la produzione italiana.

Come definirebbe il suo lavoro?

Il direttore della fotografia è il principale collaboratore del regista. Lo aiuta a trasformare in immagini le sue idee attraverso la luce e i colori.

Vittorio Storaro dice di sentirsi il coautore dei film.

Io mi sento un professionista al servizio del regista. Alla fine in qualche caso posso sentirmi un “coautore”, ma non prima. Anzi, di questo mestiere mi piace la duttilità. Devi cambiare approccio in funzione dei mezzi disponibili e della personalità del regista. Mi piace suggerire dopo aver ascoltato a lungo quel che mi viene richiesto. Ed è questo forse il motivo per cui a un certo punto Bernardo Bertolucci ha scelto me.

Come avvenne l’incontro?

Prima ho lavorato a lungo con suo fratello Giuseppe. Caratteri diversi ma una comune sensibilità. Bernardo andava fino in fondo nell’espressione, Giuseppe tratteneva qualcosa per sé. Ho girato un cortometraggio firmato da entrambi, dedicato a Bologna. La città deserta, scoperta dai bambini: c’è dentro tutto il candore del loro sguardo. Su entrambi ha avuto una grande influenza il padre, il poeta Attilio. Ho avuto il piacere di lavorare anche con lui.

Com’è stato il rapporto con Bernardo?

Una collaborazione che si è trasformata in una intensa amicizia, durata vent’anni. Abbiamo fatto tre film insieme: L’assedio, The dreamers, Io e te. Era un uomo aperto e curioso. Mi ha dato molto e rimpiango di non poter catturare ancora la sua luce. Aveva appena finito di scrivere un film. Era ambientato a Londra ma avremmo dovuto girarlo sotto casa sua, a Roma.

Diceva che giravate in stato di trance…

In un certo senso è così. Abbiamo fatto insieme i suoi film più intimisti, più raccolti. Aveva bisogno di uno che mettesse in pratica in tempi rapidi le sue intuizioni, che spesso nascevano all’improvviso.

Chi considera i suoi maestri?

Giuseppe Rotunno e Armando Nannuzzi.

Qual è il suo film di riferimento per la fotografia?

All that jazz.

Con quale regista le piacerebbe lavorare?

Woody Allen.

Il più bravo di tutti?

Stanley Kubrick.