Torino se la Ride. Il 36° TFF ospita in concorso l’esordio dietro la macchina da presa di Valerio Mastandrea, che dirige Chiara Martegiani, Renato Carpentieri e Stefano Dionisi in un dramedy sull’elaborazione del lutto, tra sentire individuale e sanzione sociale. Il neoregista si era fatto le ossa sul set di Non essere cattivo, l’ultima prova di Claudio Caligari del 2015, Ride è un’opera prima attesa, che poi arriverà in sala il 29 novembre. La direttrice Emanuela Martini promette un cartellone “vario ed eterogeneo”, ma anche tanta Italia, cosa che all’ombra della Mole confessa “non accadere spesso”. Dal 23 novembre al 1° dicembre, spazio a Sex Story di Cristina Comencini e Roberto Moroni, sull’evoluzione della sessualità femminile tra gli anni 50 e 80 attraverso le immagini della Rai; The Man Who Stole Banksy di Marco Proserpio; Bulli e pupe, storia sentimentale degli anni 50 di Steve Della Casa e Chiara Ronchini; I nomi del signor Sulcic, detour di confine firmato da Elisabetta Sgarbi; Ovunque proteggimi di Bonifacio Angius; Ragazzi di stadio, quarant’anni dopo di Daniele Segre, sul tifo juventino; Il gusto della libertà – Cinema e ’68 di Giovanna Ventura, prodotto da Rai Movie. A chiudere sarà Nanni Moretti con il doc Santiago, Italia. Inaugurazione affidata a Jason Reitman, che inquadra rise and fall del politico americano Gary Hart (Hugh Jackman) con The Front Runner, il Gran Premio Torino è per il francese Jean-Pierre Léaud, Jean Eustache e Powell & Pressburger sono in retrospettiva, Pupi Avati è guest director, una giornata (il 28 novembre) sarà dedicata al ricordo di Ermanno Olmi. Budget di un milione e 900mila euro, 133 lungometraggi, di cui 36 opere prime e seconde, 34 anteprime mondiali e 27 regie femminili, in cartellone anche Blaze di Ethan Hawke, Colette con Keira Knightley, Dovlatov di Aleksey German Jr., The White Crow di Ralph Fiennes, Pretenders di James Franco, High Life di Claire Denis e Mandy con un imperdibile Nicolas Cage.

Ora che è morto, a 95 anni, e tutti celebrano i mille talenti di Stan Lee, le sue intuizioni narrative ma anche la sua abilità manageriale, l’Economist gli attribuisce il merito dei 17 miliardi di dollari incassati dai film ispirati ai suoi personaggi. Il fondatore della Marvel Comics anche da morto si prende molti meriti non suoi, come ha fatto da vivo, prima scaricando gran parte anche del lavoro di sceneggiatura sui disegnatori e poi affiancando il suo nome anche alle storie scritte da altri. Il suo contributo attivo nella casa editrice inizia nel 1961 ma finisce già nel 1972, quando lascia il posto di direttore editoriale a Roy Thomas. Quei dieci anni di genio assoluto e spregiudicato fruttano a Lee una ricchezza faraonica. E se si è appropriato anche di denari che sarebbero spettati ai suoi autori delle origini, come Jack Kyrby (morto nel 1994) o Steve Ditko, scomparso questa estate senza essersi mai arricchito pur avendo creato Spider Man, Stan Lee ha espiato le sue colpe con le sofferenze dei suoi ultimi anni.

Dopo la morte della moglie Joan, settant’anni di matrimonio, il vecchio Stan Lee si è trovato a poter contare soltanto sulla figlia unica JC, oggi 67 anni, e su un gruppo di collaboratori che lo hanno spolpato. Come hanno mostrato le inchieste di vari media americani, in particolare il Daily Beast, a Lee sono stati estorti assegni da 300.000 dollari con l’inganno, ha comprato un condominio da 850.000 dollari in California per ragioni poco chiare, da un suo conto corrente sono spariti ben 1,4 milioni di dollari. E uno dei periti che ha dovuto ricostruire le complicate transazioni è Vince Maguire, fratello di Tobey, che ha interpretato Spider Man nei tre film di Sam Raimi.

Non potevano mancare, in tempo di #MeToo, le infermiere che denunciano le molestie senili del loro paziente. Ma difficile fidarsi, visto che sempre il Daily Beast ha raccontato i tentativi di montare false accuse per estorcere denaro all’anziano fumettista. Max Anderson, un ex galeotto diventato guardia del corpo di Stan Lee, prima di essere licenziato avrebbe offerto a un’infermiera soldi per lanciare false accuse contro JC, la figlia di Stan. E intorno alla figlia JC, che ha la fama di shopper compulsiva (con i soldi di papà), gira un personaggio equivoco, Jerry Olivarez, dalla professione incerta (il Daily Beast lo definisce semplicemente “un truffatore”) che sul suo sito web pubblica una foto di Stan Lee e un messaggio di incoraggiamento: grazie al legame con i Lee Olivarez è riuscito ad accedere ai lussi che sognava, spillando soldi alla famiglie e alle società di Stan Lee.

Che a Lee sia stato rubato anche il sangue per firmare copie del fumetto di Black Panther è (forse) una leggenda metropolitana, ma finisce per risultare plausibile visto lo scarso controllo che l’anziano milionario aveva sulla sua vita.

In una delle sue ultime interviste, Lee ha ammesso: “Quando ho scritto tutti quei personaggi i soldi hanno iniziato ad arrivare, avevo bisogno di aiuto ma ho fatto alcuni grossi errori, mi sono fidato di persone di cui non dovevo fidarmi”.

Oggi la parte editoriale della Marvel è in mano a C.B. Cebulski, che sta facendo un grande sforzo di semplificare la barocca struttura narrativa che si è stratificata nei decenni e riportare i personaggi Marvel più vicini alle origini (e alla loro trasposizione cinematografica). Tutta l’attenzione intorno ai supereroi portata dalla morte di Lee assicurererà vendite più alte. L’ultimo regalo di Stan ai suoi personaggi e ai suoi lettori.

Pubblichiamo la prefazione di Roberto Bolle al libro del danzatore e coreografo siriano Ahmad Joudeh “Danza o muori”, in questi giorni in libreria per DeA Planeta.

 

Quella di Ahmad Joudeh è una storia che merita di essere fatta conoscere, diffusa e portata a tutti, perché è una storia che tocca il cuore e fa davvero comprendere l’importanza di avere un sogno, di crederci fermamente e lottare affinché questo sogno diventi realtà. Ed è una storia che mi coinvolge personalmente e mi commuove perché, in qualche modo, ne sono parte anch’io.

Ho incontrato Ahmad per la prima volta ad Amsterdam, in una sala ballo del Dutch National Ballet. Tutti continuavano a ripetermi che dovevo assolutamente conoscere questo ragazzo arrivato dalla Siria e le incredibili vicissitudini che l’avevano condotto fin lì. Quando infine me lo sono trovato di fronte, in preda a una profonda emozione, Ahmad mi ha raccontato di sé e di come la danza avesse rappresentato per lui la vita stessa. Mi ha confidato anche che io ero stato un punto di riferimento per lui fin da quando, giovanissimo, si era appassionato alla danza sfidando i pregiudizi e l’ostilità del suo ambiente familiare e sociale, e poi ancora negli anni successivi quando aveva continuato a ballare nonostante lo scoppio della guerra e a insegnare ai ragazzini traumatizzati dalle bombe e dalla violenza. Anche in una situazione tanto disumana, la danza ha dimostrato di essere una forza salvifica, perché l’arte ha davvero il potere di elevare l’animo – allontanandolo dalle brutture e dalle sofferenze – e aiutarci a ritrovare la nostra dimensione più pura e luminosa, la parte migliore di noi stessi e di tutta l’umanità. Se questo è vero sempre, a tutte le latitudini, tale straordinario potere dell’arte emerge in modo ancora più evidente in una vicenda drammatica come quella di Ahmad: il potere di dare una svolta positiva e completamente inaspettata all’esistenza, anche là dove sembra essersi spenta ogni speranza. Ma questo vale anche per noi, nella nostra società. Credo anzi che Ahmad possa rappresentare un esempio per moltissimi giovani che, troppo spesso, non sono disposti a lottare per le proprie passioni o stentano a rendersi conto di quanti sacrifici, dedizione, impegno e determinazione siano necessari per realizzare i propri sogni. Individuare la propria passione, coltivarla, valorizzarla, essere pronti ad affrontare gli ostacoli per portarla avanti: anche questa è una lezione che ciascuno di noi può portare con sé leggendo la storia di Ahmad.

La sua vicenda, infine, è emblematica anche del dramma vissuto da milioni di migranti costretti a fuggire dalla guerra e dalla violenza. Raccontarla ci permette di restituire un volto umano ai freddi numeri che i media ci trasmettono. Quello dei migranti è un dramma che non va ignorato o nascosto, ma conosciuto e compreso. In questo momento storico è importante ricordarci come ciascuno di loro abbia una storia e porti con sé un bagaglio di esperienze dal quale anche noi possiamo trarre insegnamento. È proprio per questo che, preparando il passo a due con Ahmad andato in onda su RaiUno il 1° gennaio 2018, ho voluto coinvolgere Sting, un artista straordinario che da tempo, con grande sensibilità, si spende per questa causa. Gli ho scritto personalmente, parlandogli di Ahmad: nonostante si trovasse in tournée, Sting ha immediatamente accettato di accompagnarci con le note di due tra le sue canzoni più indimenticabili: Fragile e Inshallah. Si è organizzato per arrivare un pomeriggio, registrare e ripartire la sera.

Quel giorno abbiamo acceso il riflettore su un ragazzo, ma come lui ce ne sono tanti: ognuno con il suo vissuto, le sue passioni, esattamente come Ahmad e come noi. Quando abbiamo finalmente ballato assieme in tv, Ahmad è stato capace di sorprendermi di nuovo per la sua capacità di affrontare una situazione così grande e nuova, alla quale non era abituato. Ancora una volta, si è dimostrato all’altezza e ha superato le aspettative. Era a suo agio nell’elemento che più gli si addiceva: danzava. Era immerso nel suo sogno impossibile che ormai aveva trasformato in realtà.

Uscirà venerdì prossimo per Einaudi “Velázquez e il ritratto barocco” di Tomaso Montanari. Ne pubblichiamo un’anticipazione.

 

Come se la vita artificiale della corte gli asciugasse il sangue nelle vene, in alcuni momenti Velázquez sentì il bisogno di riprendere fiato, lontano. La meta desiderata era ancora l’Italia, cui lo legava un dialogo fittissimo di entusiasmi e opposizioni: come si è appena visto, era quella la fonte inesauribile cui ispirarsi per opere che approdavano poi ad esiti originalissimi. Dopo una preparazione e un anelito lunghi quasi un lustro, a cavallo dell’anno santo di metà secolo Diego riuscì ad essere in Italia, mentre il progetto di un terzo ritorno, nel 1657, naufragò per ragioni che non conosciamo.

Il Velázquez che giunse in Italia nella primavera del 1649 non era più un giovane artista in formazione, ma l’Aiutante di camera del Re di Spagna, inviato in missione ufficiale. Egli doveva infatti comprare dipinti e statue antiche, organizzare una campagna di calcatura delle antichità che non erano sul mercato e persuadere un frescante (possibilmente il più grande, Pietro da Cortona) a recarsi a Madrid: Filippo IV stava progettando una nuova decorazione per il palazzo reale, e aveva deciso che era giunto il momento che anche la Spagna – dopo la Francia e l’Inghilterra – strappasse per sé un brandello d’Italia.

Diego rimase lontano dalla corte per due anni, durante i quali condusse in porto la propria missione (al suo ritorno presero la via di Spagna quasi cinquecento casse di opere d’arte) passando da una capitale all’altra della penisola. Secondo le fonti, egli riprese in mano i pennelli a Roma nel 1650, dopo un periodo di inattività: da quel ritorno alla pittura nacquero alcuni dei capolavori più impressionanti della sua carriera.

Ci sono ottimi motivi – anche se nessuna prova decisiva – per ritenere che la celeberrima Venere allo specchio sia stata eseguita proprio a Roma. Si tratta dell’unico nudo femminile di Velázquez, e dell’unico quadro di questo genere nella tradizione spagnola fino a Goya: sappiamo che nel 1658 un pittore italiano che lavorava a Madrid, Angelo Michele Colonna, si lamentò dell’impossibilità di utilizzare modelle femminili nude, e si dovette far bastare una statua.

La Venere sembra invece il conturbante ritratto di una donna precisa, che evidentemente ha posato per il pittore in questa singolare posizione: se la libertà e la sensualità sembrano scaturire da un rinnovato contatto con la calda tradizione veneziana, la posa tergale della dea non vi trova paragoni, e ha fatto giustamente pensare che la fonte sia la statua antica dell’Ermafrodito che si trovava a Villa Borghese a Roma, e che proprio Velázquez fece fondere in bronzo e trasportare a Madrid.

Solo un particolare trascurabile (le ali del bambino inginocchiato sul letto) fa intuire che non si tratta semplicemente del ritratto di una donna nuda, e l’alta temperatura erotica spinge a chiedersi se la genesi di quest’opera non possa legarsi a quella storia d’amore romana dalla quale sappiamo che a Diego nacque un figlio. Di lì a poco, comunque, il quadro finì in proprietà del leggendario marchese Del Carpio, libertino impenitente e collezionista, tra l’altro, di quadri parecchio disinibiti.

In ogni caso, un accenno di storia è implicito nella rappresentazione: Venere ha chiesto a Cupido di portarle lo specchio, e questi è volato a staccarlo dalla parete più vicina (il cordone rosa che lo sorreggeva svolazza ora in bella vista) ed è atterrato proprio ora sul letto della madre.

Il titolo tradizionale di Venere allo specchio è improprio e sviante: per una elementare legge ottica, se vediamo il suo volto nello specchio ciò vuol dire che ella a sua volta sta guardando proprio noi, appena entrati nella sua alcova. In questo quadro così lontano dalla Spagna, troviamo, insomma, una specie di sintesi delle esperienze italiane di Velázquez: una strepitosa gamma cromatica di ascendenza veneta (si goda la sublime eleganza del lenzuolo di seta perlacea che incornicia l’incarnato delicatissimo: un brano che ricorda la bellissima, ma certo non paragonabile, Cleopatra genovese di Guercino) innerva di vita una statua antica, e il tutto è posto al servizio di un’attenzione al ruolo dello spettatore e al suo coinvolgimento, che proprio nella Roma barocca, e particolarmente nell’opera di Bernini, aveva attinto il suo vertice.