Canta Renato Zero: “Non abbandonare i sogni, se puoi. Dagli forza e consistenza… e poi… Lascia siano loro a prenderti, a portarti un’altra volta via da qui”. Sogni, forza e consistenza, è la giusta triade, la versione cantata di quando Togliatti parlava di strategia e tattica; la versione cantata di quando Phil Jackson incitava Michael Jordan a vincere da solo il sesto titolo Nba; la versione cantata di quando Steve Jobs incitava i laureandi di Stanford a “essere affamati e folli”. Sport, politica, industria, non cambia, i sogni restano tali, e quasi sempre sono gli artisti a tracciare la strada, a percepire in anticipo dove e come andare; a esplorare, a disboscare le aree inesplorate della mente, a cercare o ritrovare emozioni, anche a costo di rimetterci. Sono loro a percorrere quei sentieri prima di tutti, a lasciare tracce sul percorso, non per tornare indietro, ma per consentire agli altri di seguirli, magari un giorno. Ed ecco Zero, classe 1950, in repertorio un numero tale di successi da coprire l’intera carriera di una decina di suoi colleghi di media levatura; potrebbe tranquillamente salire su un palco e inanellare sold out a ripetizione. Eppure ribalta tutto: l’anno scorso ha presentato Zerovskij solo per amore, un musical con 130 ragazzi impegnati tra palco e retropalco, quasi solo pezzi inediti sedotti da un’orchestra di alto livello, niente effetto karaoke, niente vittoria semplice, niente Carrozzone, Triangolo o Sbattiamoci, la strada è altrove. E dopo un anno, Zerovskij è arrivato al cinema (rifiutato dalla Rai), lunedì la prima con lo stesso Zero presente in un cinema di Roma (ieri a Milano) per guardare in viso i suoi fan: “Ora per un po’ mi fermo, devo ritrovare il legame tra i marciapiedi e il palco”. Nel frattempo i sorcini hanno piano piano recuperato quelle tracce lasciate sul percorso, risalito il cammino, e capito. “Magari a pezzi, ma con tanta dignità, noi siamo ancora qua”.

Fino a che punto il mondo che crediamo di conoscere è davvero come crediamo che sia? Che cosa muove i destini della Storia? I grandi eventi collettivi o i maneggi di poche (e potentissime) persone? Cos’è la guerra, la prosecuzione della politica con altri mezzi – come diceva Von Clausewitz – oppure la prosecuzione degli affari con altri mezzi?

A giudicare dai primi due episodi, gli autori della serie Deep State, la prima produzione europea targata Fox presentata in anteprima mondiale a Londra il 15 marzo, hanno le idee molto chiare: il mondo non è ciò che crediamo che sia, i destini della storia sono nelle mani di pochi e la guerra è una forma di business, anch’essa nelle stesse mani. Nulla di nuovo, certo, semmai un’istintiva sensazione di peggioramento che tra le pieghe di Deep State si percepisce con una certa chiarezza: andrà sempre peggio. Per il resto la serie è una classica spy story a partire dall’inizio, dove infatti quel che sembra non è quel che è. Max Easton da dieci anni si è trasferito da Londra sui Pirenei, vive con la moglie e due figlie piccole in una casa isolata, per vivere ha messo su un laboratorio di falegnameria in tavernetta.

Ma chi è davvero Max Easton? Nemmeno la moglie lo sa. Alle spalle c’è una vita precedente e un figlio, Harry, che con il padre ha rotto ogni legame ma che, nonostante tutto, ha scelto di seguire le stesse orme, che non sono quelle dell’artigianato. Ed è proprio questo legame “professionale” a scaraventare Max, all’improvviso, nella sua vita precedente. Easton ha infatti un passato da agente segreto della Corona britannica e i suoi antichi capi lo richiamano in servizio sapendo che non potrà rifiutare: Harry è in missione in Oriente, qualcosa è andato storto e c’è bisogno del suo intervento.

È l’inizio di un intreccio fatto di azione (molta), suspense (inevitabile), effetti speciali sul campo (a opera di un service italiano) e, soprattutto, di immersione nel deep state, lo “stato nello stato”, termine anglosassone che indica una situazione politica in cui un organo interno allo Stato non risponde alla leadership politica civile. Nulla di quello che Max Easton vedrà è come si aspetta. Il gioco è molto più grande.

Deep State andrà in onda in Italia (e in contemporanea in altri 50 Paesi, anche negli Stati Uniti, di solito diffidenti sulle produzioni europee) dal 9 aprile su Fox.

Per il momento sono stati realizzati otto episodi, sull’eventualità di nuove stagioni, autori e produttori non si sbottonano.

Non indifferente il cast, a cominciare dal protagonista Max Easton, l’attore inglese di origine italiane Mark Strong, già attore con Roman Polanski in Oliver Twist e in Syriana di Stephene Gaghan. Accanto a lui Joe Dempsie (nel ruolo del figlio Harry) già noto al pubblico come il Gentry Waters di Game Of Thrones, Karima McAdams (Leyla), modella anglo-marocchina, ex volto di Lara Croft per il lancio del videogioco Tom Raider, alla prima grande esperienza sullo schermo (che con buone probabilità non sarà l’ultima).

Quindi Lyne Renée (la moglie di Max, ignara del passato del marito) e Anastasia Griffith, spregiudicato agente della Cia e – infine – Alistair Petrie (A Star Wars Story). Petrie interpreta George White, l’oscuro burattinaio dei servizi segreti, candidato quindi a essere il cattivo della storia. Una candidatura fin troppo scontata. Dunque, nel deep state, potrebbe essere anche il buono.

“Vorrei tante bambine sedute in platea, anche se fa un po’ film di Kubrick”. Emma Dante si augura che tra “i 6 mila posti del Teatro antico di Siracusa ci siano molte spettatrici”, ma il sogno grande è avere una “platea eterogenea”. Lei che da bambina proprio vedendo lì Antigone fu colpita dal demone del teatro. Lei che quest’anno, nella 54esima edizione del Festival della Fondazione Inda (dal 10 maggio all’8 luglio) con Eracle, sarà la prima donna a dirigervi un’opera. “È sempre così, qualunque cosa faccia, mi si chiede come mi sento a essere la prima donna a riuscirci”.

Da bambina avrebbe mai pensato di poter essere a Siracusa da regista?

Mai avrei immaginato di trovarmi a dirigere un evento così straordinario. Tra l’altro prima di allora non ero mai stata a teatro. L’ho scoperto tardi. La mia non era una famiglia che andava a teatro. Non è una malattia culturale la mia quindi, ma un amore istintivo, primordiale.

A proposito di eredità, lei non ne raccoglie da nessuna donna. È la prima a cimentarsi nella rassegna.

È inquietante. Perché se dopo di me si ricomincia con il metodo maschilista di soli autori uomini, non è positivo.

E il tema dell’edizione 2018 è “La scena del potere”.

Esatto. E il mio Eracle è interpretato da una donna. Perché parlo attraverso il teatro. Non mi occupo di politica, ma il mio teatro è politico, ha un’impostazione sociale. Cerco di scardinare dei concetti vecchi, di riscrivere anche una morale nuova e questa cosa della donna è un concetto a cui tengo tanto.

Perché l’ha fatto? Perché Eracle è donna?

No. Non è donna Eracle. Eracle è il personaggio che ha scritto Euripide, ma è interpretato da una donna, Perché quando i greci utilizzavano gli uomini, nessuno chiedeva loro: ‘Perché Antigone è maschio?’. Lei non mi può rivolgere questa domanda.

Ma le potrei porre la successiva.

Dica.

Dopo le polemiche per il cambio del finale della Carmen, non teme critiche per aver sovvertito la tragedia?

Questa è una domanda legittima. Ma non cambio niente. Il testo mi è stato consegnato nella traduzione di Giorgio Ieranò, devo rispettarlo per contratto. A differenza di come sono abituata, qui non ho potuto riscrivere niente, anche se sul resto mi è stata data carta bianca.

Quindi cosa ha modificato?

Eracle è un uomo, ma l’attore che lo interpreta è una donna, quindi un’attrice (Maria Giulia Colace, ndr) che si sta sottoponendo a un lavoro fisico per impersonarlo. È un gioco teatrale, non c’è nessuna mutazione di genere. Mi sto prendendo la briga di invertire il gioco dei greci.

Cosa rappresenta Eracle?

Più che una tragedia è un dramma psicologico, in cui il protagonista non si punisce, ma accetta il suo destino e continua a vivere. Uccide la moglie, stermina la famiglia e poi se ne va con il suo amico del cuore.

Come non sentire l’eco della cronaca…

Sì, certo. I greci hanno scritto tutto ciò che è nell’animo umano. Noi abbiamo copiato. Tutta la nostra iconografia, anche il Cristianesimo, viene da lì. Forse da alcune tragedie dovremmo imparare a ristabilire un senso di giustizia. Ad esempio Edipo, quando scopre di aver ucciso suo padre Laio, si dimette e si acceca. I politici oggi, non dico accecarsi, ma non si dimettono mai.

Come si rapporta il suo Eracle con le donne?

In Euripide non c’è il mangiatore di femmine. Ho voluto spazzare via l’immagine di Eracle con le creste iliache in avanti e il membro in evidenza e far lavorare la protagonista sulla grazia. Eracle è aggraziato, anche se molto fisico, come tutti i miei lavori.

Il coro invece è maschile?

Più che altro è costituito da vecchi. Mi piaceva il contrasto con le voci delle donne.

Un colpo di scena?

Non ho ancora iniziato a provare lo spettacolo, quindi potrei anche non riuscire a metterlo in scena. Ma pensavo di far disegnare a Eracle un enorme cerbero a terra, sulla finta cava di marmo. Nel disegnarlo, lo combatte e quando avrà finito, l’avrà sconfitto. Immortalato, reso icona.

Ma dove esiste un regista capace in appena tre mesi di portare in sala The Post e Ready Player One? Solo nei nostri sogni, e in quel sogno realizzato che si chiama Steven Spielberg. Dovremmo limitarci a dire: “Io c’ero”. Nondimeno, il 18 dicembre Spielberg compirà 72 anni, splendidamente filmati: ha vinto tanto, ha alimentato l’immaginario collettivo ed è forse oggi il primo sinonimo di cinema. Chi glielo fa ancora fare? Che cosa gli fa portare sullo schermo a distanza di 90 giorni un film quale The Post e un movie – la distinzione l’ha fatta lui stesso al South by Southwest festival di Austin, Texas – quale Ready Player One, se non l’amore sconfinato per il suo mestiere e il nostro piacere? Frutto di multitasking produttivo e versatilità registica con pochi eguali, The Post è un memento sul giornalismo da 50 milioni di budget, scritto e recitato da Dio; Ready Player One è un intenzionale blockbuster, dicunt, da 175 milioni di dollari, tratto dall’omonimo best-seller di Ernest Cline (co-sceneggiatore) e pieno di CGI.

Le star vanno però in senso contrario: Meryl Streep e Tom Hanks per il peana alla libertà di stampa, interpreti non di prima grandezza per il secondo. Dal 2001, ossia dal non riuscito War Horse, SS ha smesso di realizzare film & movie sotto lo stesso titolo e diversifica: Lincoln (2012), Il ponte delle spie (2015) e il già ricordato The Post su un versante, Il GGG – Il grande gigante gentile (2016) sull’altro. Peccato, è un po’ rinnegare quel che l’ha reso Spielberg, vale a dire l’incommensurabile sintesi di E.T. l’extra-terrestre (1982) e progenie.

Ebbene, dietro le apparenze e dentro la sostanza di un prodotto di intrattenimento per il vasto pubblico, dai teenager di oggi a quelli degli anni 80, qualcosa è cambiato: Ready Player One è anche un film imperniato sulla nostalgia pop, eticamente costruito, a partire dalla prevalenza etica del reale sul virtuale, e dunque fedelissimo precipitato ideologico e poetico del Nostro.

È lui il giocatore, e accostare al gamer confesso che è Dostoevskij non è peregrino. Vi ritroviamo la Teoria dei giochi di John Nash, soprattutto, la teoria e tecnica del cinema di SS: intrattenimento aumentato o, se preferite, autorialità disponibile. Sulla scorta di Cline, e calmierando però i riferimenti spielberghiani della sua prosa, ci porta in un futuro distopico e ravvicinato, nel 2045, nella città brulicante di Columbus, Ohio, in un mondo in cui la gramissima realtà è stata soppiantata dall’universo virtuale di Oasis, dove l’unico limite è la propria capacità immaginifica: a crearlo è stato l’eccentrico e recluso James Hallyday (Mark Rylance, il nuovo attore feticcio di SS, superbo anche qui), che alla sua morte l’ha lasciato in dote al vincitore di una competizione in tre partite.

Una caccia al tesoro, l’Easter Egg di Hallyday, cui come tanti altri Gunter concorre Wade Watts (Tye Sheridan), Parzival per avatar, e il resto degli High Five, tra cui Samantha, ovvero l’alter ego Art3mis (Olivia Cooke): riusciranno a trovare le tre chiavi e a eludere la concorrenza del machiavellico Nolan Sorrento (Ben Mendelsohn) a capo della corporation IOI?

L’avventura, ché infine si gioca proprio ad Adventure, il primo game Atari con Easter Egg, è delizia senza croce per nerd e geek, un’overdose tecnologica, effettistica e sincretica, un’abbuffata di cultura pop, un’ode agli anni Ottanta, in cui il citazionismo è imperante e appagante: da King Kong ai Duran Duran, da Batman al T-Rex di Jurassic Park, dalla DeLorean di Ritorno al futuro (da cui viene il compositore Alan Silvestri) a Stayin’ Alive, dai Goonies a Ghostbusters, è come aprire l’armadio di Narnia e tornare bambini, riscoprirsi ragazzi, e che magone. In fondo, Oasis è una macchina del tempo, avanti e indietro e di lato, un tutto possibile dove l’importante è non perdere il vero sé e – quelli che diverranno – i veri amici: oltre il visore e il virtuale, l’unione fa la forza, meglio, l’unione è la forza, innanzitutto quella cinematografica.

Certo, Spielberg molto concede allo sparatutto virtuale e, all’opposto, è sparagnino con la realtà, ma non molla di un centimetro: Ready Player One si sarebbe detto più congeniale ai suoi figli o nipoti d’arte?

Chissenefrega, la rottamazione può attendere, il re è ancora lui. Dura lex sed Spielberg: immaginazione al potere e valori al governo. Dal 28 marzo al cinema.