Premessa: nel 2012 l’uragano Sandy si è abbattuto sulla costa orientale degli Stati Uniti e del Canada e sull’America centrale. Statisticamente detiene il lugubre secondo posto in quanto a devastazioni, subito dopo l’uragano Katrina. Laurie Anderson, una delle più grandi artiste multimediali, ha cercato di “scolpire” in oltre trenta frammenti sonori l’intera esperienza umana vissuta sulla sua pelle durante il disastroso evento, trasformando in catarsi la sofferenza provata nota dopo nota. Per questa opera sono stati chiamati in ausilio i Kronos Quartet (David Harrington, John Sherba, Hank Dutt, Sunny Yang), l’ensamble perfetto per il rigore stilistico della Anderson. Ulteriore premessa: avvicinarsi a questa monumentale opera senza la necessaria concentrazione e senza prendersi il tempo necessario, porta l’ascoltatore fuori strada. Siamo in un limbo tra la classica, il jazz e la sperimentazione; Laurie richiede di immergersi e rivivere ogni pensiero, ogni testimonianza, ogni sofferenza attraverso la “spoken poetry” e la musica. Non ha mezze misure, desidera penetrare con una lama affilata sino alla profondità dell’anima. The Dark Side cristallizza al meglio l’intera idea del progetto, diventando il fulcro di Landfall insieme a Nothing Left But Their Names. L’elettronica si sposa perfettamente agli archi – e, in definitiva alla natura evocata – in quattro capitoli: The Water Rises, Riding Bycicles Through The Muddy Streets, Never What You Think It Will Be e The Wind Lifted The Boats And Left Them On The Highway, con una maestria compositiva degna di Brian Eno. “Sono sempre stata affascinata dal complesso rapporto tra parole e musica”, commenta Laurie, “sia nei testi delle canzoni che nelle sopratitolazioni e nelle voci fuori campo. Nell’album gli strumenti orientano il loro linguaggio attraverso un software di testo”. In contemporanea con l’album Skira Rizzoli pubblica il volume All The Things I Lost In The Flood, una collezione di lavori della Anderson riesaminati personalmente dal suo vastissimo archivio.

Volgere lo sguardo fuori dalla finestra non costerà mai tanto caro quanto chiudersi dietro la porta di casa per provare a vedere cosa c’è dentro. The Zen Circus, dopo 18 anni di carriera, hanno scritto un disco che odora di scatole colme di foto ingiallite e mozzicate dal tempo. Dopo l’estroverso “La terza guerra mondiale”, “Il fuoco in una stanza” (Woodwarm Label/La Tempesta Dischi), in uscita il prossimo 2 marzo, ha il sapore di quei giorni in cui cerchi di capire se quello che hai dentro, e soprattutto quello che sei nelle relazioni, sia il calco perfetto di ciò che trovi in quei bauli di famiglia, o il disperato tentativo di dirti che no, non è vero, tu sei diverso. E diversamente farai. “Dice che sa di psicoterapia? Non credo che nessuno di noi ci sia mai andato, ma è il riflesso di una delle cose che amo di Andrea. Anche se abbiamo estrazioni profondamente diverse, nei testi riesce sempre a mettere dentro tutti noi”: Karim Qqru, batterista del gruppo dal 2003, racconta come nascono le liriche di Appino. Prendono spunto da ogni cosa, discorsi comuni compresi, ma poi è lui che orchestra le parole e le sottopone agli altri. “Vige una spietata democrazia”: votano in tre e pace se, negli anni, qualche mano in faccia è partita.

“Il fuoco in una stanza” è fatto di canzoni e personaggi che si aggirano come fiammelle dantesche a ravvivare il senso di un’universalità di sentimenti che non fa sconti, come nel singolo scelto, “Catene”. La famiglia, così come il dolore, sono spiattellati lì, in primo piano, sin dall’evocativa copertina (la foto è opera di Ilaria Magliocchetti-Lombi).

Karim preferisce non definire il lavoro con termini come “maturo” o “concept album”, ma ammette: “Il fatto che la parola madre sia ripetuta nei primi sette brani del disco, non è un caso” (anche il padre prima eroe, poi prigione, è un bel pugno nello stomaco, ndr). Alcuni dei brani sono nati già mentre realizzavano l’ultimo disco, che gli è valso un bel salto in avanti (66 date, ha registrato 98mila presenze). Uno scarto importante, dopo anni di “piccoli passi in avanti”: “Abbiamo fatto la fame. Spesso tiravamo dritto in autostrada, per pagare il pedaggio al ritorno, grazie ai soldi del live”. E chissà quanto il salto sia dovuto alla perseveranza, e quanto a un ecosistema più aperto nei confronti di ciò che non è mainstream: “Credo che i singoli contino ancora tanto, e i nostri finirono su grandi radio, allargando il nostro pubblico. Ma per fortuna! E poi basta con questa equazione mainstream = gente che non capisce. Se a qualcuno fa star bene ‘La solitudine’ di Laura Pausini, la musica ha vinto lo stesso”. Poco importa se arrivi dallo streaming di uno sconosciuto, o dalla grande emittente. Non è piaggeria, come ribadisce commentando “Rosso e nero”, un brano del disco che toglie il colore alla morale comune: “Hanno provato a imboccarci più volte, ma crediamo che musica e politica non debbano mai unirsi sul palco, perché il pubblico non è scemo, ma c’è una pericolosa sudditanza esplicita tra chi sta sul palco e i fan”.

“James Ivory è la personalità cinematografica del momento”, secondo Michele Diomà, regista italiano che con il candidato Oscar per la sceneggiatura di “Call by your name” sta per girare “Dance again with me, Heywood!”. “Gli ho proposto di partecipare al mio film – racconta – poteva rifiutare, invece mi ha dato subito il suo appoggio. Nella pellicola Ivory interpreta se stesso, dato che il personaggio principale è un filmmaker, Giorgio Arcelli Fontana, attore e regista piacentino trasferitosi da molti anni a New York con una passione per Napoli e Massimo Troisi”, spiega Diomà che firma l’intervista che pubblichiamo a Ivory con dichiarazioni inediti sul suo rapporto con la cultura italiana.

Mister Ivory quando è iniziata la sua passione per l’Italia?

Molti anni prima del 1986, anno in cui ho girato Camera con vista ambientato in buona parte a Firenze. Avevo 22 anni nel lontano 1950, mi trovavo in viaggio a Parigi, ero giovane e con ben pochi soldi, ma avevo una gran voglia di scoprire l’Italia, anche perché in quegli anni tutti in America farlo. Se ben ricordo fu proprio il primo anno di boom del turismo nel vostro paese dopo gli anni difficili della Seconda guerra mondiale.

Come andò il suo viaggio?

In maniera avventurosa. Salii su un treno per riuscire a vedere almeno Venezia. Non dimenticherò la prima volta che la vidi, ne fui folgorato e decisi che nella città lagunare avrei girato il mio film d’esordio, un desiderio che coronai 3 anni dopo, quando con fatica racimolai i soldi per girare un piccolo documentario Venice: Theme and Variations.

Si fermò a Venezia?

No. Dato che mi trovavo in Italia, pensai che non potevo non visitare Roma, ma avevo un piccolo problema pratico, mi erano rimasti in tasca 10 dollari. Sono passati più di 65 anni da quel giorno, ma ricordo perfettamente il mio stato d’animo, da una parte ero spinto dalla mia situazione economica a mettere fine a quel viaggio in Italia e chiamare mio padre in America perché mi facesse il biglietto per rientrare, dall’altra avevo una fortissima voglia di vedere la Caput Mundi. Un po’ per incoscienza dovuta alla mia giovane età, un po’ per fame di avventura, optai per la seconda soluzione.

Ne valse la pena?

Non appena arrivai alla Stazione Termini corsi in un’American Express con la speranza di trovare un regalo da parte di mio padre, che generosamente senza dirmelo mi fece trovare sul conto 100 dollari. Beh mi sentii l’uomo più ricco del mondo. Iniziai a girovagare per Roma e a ogni passo vedevo palazzi, piazze e monumenti che mi lasciavano senza fiato. Ricordo quel periodo come bellissimo e non volevo più andarmene, rimasi infatti a Roma per circa tre mesi. E devo confidarvi una cosa: proprio a Roma c’è il monumento che ancora oggi, che ho girato un po’ il mondo, considero il più bello in assoluto. Il Pantheon.

Lei il 4 marzo potrebbe vincere l’Oscar alla miglior sceneggiatura per “Call me by your name” di Luca Guadagnino e ha accettato di partecipare al film di un giovane regista italiano. Cosa la affascina del nostro cinema?

Intanto la grande storia del cinema italiano. Mi emoziono sempre quando rivedo Umberto D. di Vittorio De Sica e adoro in termini assoluti Il Gattopardo di Luchino Visconti. Un capitolo a parte va dedicato a tutta la filmografia di Federico Fellini, io sono un vero e proprio fan. Ho visto tutti i suoi film. Negli anni a New York spesso c’erano come prime americane film di Fellini, e ricordo che non erano considerate come degli eventi simili a tanti altri che si tengono ogni giorno nella Grande Mela. La prima di un nuovo film di Federico Fellini era attesa come una grande esperienza culturale. Tutti i cinefili correvano a Manhattan in attesa dell’arrivo di Giulietta Masina e Federico Fellini, che venivano a New York per presentare un nuovo film. Quindi è inevitabile che io sia sempre interessato ad ascoltare un regista italiano che viene a propormi un progetto.

Da qui le due collaborazioni. Ha altro in programma?

Sto anche scrivendo la sceneggiatura di un cortometraggio che si intitola Modern Marriage con Giorgio Arcelli Fontana, un progetto che sia pure con un tono da commedia affronta una tematica impegnativa come l’immigrazione.

Oltre ai registi, ci sono attori italiani che stima?

C’è un particolare del cinema italiano che mi ha sempre sorpreso in positivo: i volti degli attori, anche delle comparse. Dico questo perché trovo le facce degli italiani sempre molto espressive, non importa che siano donne, uomini, bambini o anziani, hanno tutti una bellezza rara, e questo è un elemento estetico importante nel cinema. Ecco perché è sempre un piacere per me rivedere un film italiano, dato che sono un regista che tiene molto in considerazione le caratteristiche somatiche degli attori.