A Firenze, il contemporaneo torna a dialogare con il Rinascimento. In Piazza della Signoria, Francesco Vezzoli sceglie di installare su un basamento antico un monumentale leone rampante di cinque metri in posizione antropomorfa – di ispirazione disneyana tra Gardaland e il Vittoriale – che azzanna tra le fauci una testa romana del II sec. d. C.

Il pastiche coraggioso è diventato negli ultimi anni la firma dell’artista bresciano classe ‘71, che può considerarsi un altissimo artigiano dell’antiretorica: lui che nel 2005 ha presentato alla 51esima Biennale di Venezia un filmato di 5 minuti dal titolo Trailer for a Remake of Gore Vidal’s Caligula, pensato per un ipotetico remake pornografico del film Caligola di Tinto Brass, o che più di recente (nel 2019) in PARTY POLITICS. L’intrattenimento della politica, la politica dell’intrattenimento incastonava in cornici preziose foto di Pertini che offre una mela a Sandra Milo o di Andreotti con la Lollo.

Con Francesco Vezzoli in Florence (a cura di Cristiana Perrella e Sergio Risaliti) inaugurata oggi, l’artista torna in città con due sculture, dopo che nel 2014 aveva concepito nei giorni di Pitti Uomo Vezzoli Primavera – Estate. La presente in Piazza della Signoria, che da anni ormai si erge a site-specific per l’arte contemporanea, segue alle opere di Jan Fabre (la famosa “tartarugona” del 2016) e Jeff Koons (sua la polemica “Statua dorata” del 2015). Alle spalle del leone, la seconda scultura è posizionata all’interno di Palazzo Vecchio, nello studiolo di Francesco I de Medici: un togato romano su cui è innestata una testa “metafisica” di bronzo che richiama Gli Archeologi di De Chirico. Come in De Chirico si legge un ritorno al classico, allo stesso modo Vezzoli continua nel suo recupero dell’arte come storiografia del contrasto, dell’ambivalenza del vero: quello che si definisce kitsch, classico o trash, Vezzoli lo rilegge e lo vivifica in una cornice estetica dirompente, suggerendo a chi guarda ogni sua opera una grande verità, e cioè che l’immagine è la prova che l’estetica precede ogni etica.

È teatro? No. È Pirandello? Pare. O almeno pare a Elio Germano. Così è (o mi pare) è infatti una sua originale riscrittura “per realtà virtuale” della quasi omonima, e trita, commedia di Luigi Pirandello del 1917, appena passata al Romaeuropa Festival.

L’attore, nel ruolo del mattatore guastafeste Lamberto Laudisi, firma anche la regia, catapultando il pubblico sin dentro il salotto della famiglia Laudisi, tramite visori 3d, diligentemente indossati da ciascuno insieme con le cuffie, stando seduto sulla propria poltroncina. Avvertenza: una visione prolungata – un’ora e mezza e passa – con gli occhialoni Vr (Virtual reality) può causare claustrofobia, congiuntivite (la risoluzione è bassissima) e nausea, soprattutto quando il punto di vista viene spostato, come se lo spettatore fosse in sedia a rotelle…

La produzione promette una visione a 360 gradi: nella casa in effetti si può scegliere chi o cosa guardare, ma il filmino della commedia è girato quasi solo frontalmente cosicché c’è poco da girare la testa e spiare altrove, se non davanti a sé. Di teatro, a parte la sala che ospita la pièce, non c’è nulla: è più un cinemino da cameretta, da godersi ciascuno coi propri occhialetti e cuffiette. Esperienza inedita, certo, ma sporca, vuoi per la tecnologia ancora sperimentale, vuoi per l’operazione drammaturgica ancora acerba, che tiene insieme le fake news e i telefonini coi vestiti e gli arredi di metà Novecento. Anche la commistione di linguaggi non è armonica: il mezzo filmico prevale decisamente sulla recitazione “dal vivo” (le riprese sono state fatte in un’unica recita filata, come si evince da qualche inciampo di dizione degli attori), ma la qualità è troppo scadente per assurgere a forma cinematografica.

Per supportare uno spettacolo così ambizioso sono serviti un nutrito cast (tra gli altri, i bravissimi Gaetano Bruno, Serena Barone, Michele Sinisi e Marco Ripoldi), un poderoso staff tecnico – da set – e una produzione danarosa (Infinito, Gold Productions e Fondazione Teatro della Toscana, il cui direttore – Stefano Accorsi – “ha fortemente voluto questo progetto”).

Poi c’è Pirandello, scelto per la realtà virtuale proprio perché “mette in discussione l’idea di ‘verità assoluta’”: degno erede del conterraneo Gorgia, il siciliano blasonato è un convinto sostenitore di panzane filosofiche – che i greci, più elegantemente, chiamavano “sofismi” e aborrivano e punivano… – sull’inesistenza, o almeno inconoscibilità, della verità. Teorie da medioevo novecentesco, oggi irricevibili, ma Luigi piace ancora inspiegabilmente, forsanche in virtù della sua beghineria pettegola. La trama di Così è (se vi pare) è esemplare: in paese tutti discutono della misteriosa signora Ponza; non si sa se ella sia figlia della signora Frola o sia la seconda moglie del signor Ponza. Ecco che fine fa la “verità assoluta” nelle mani di Pirandello. C’è da diventar matti, o forse è solo una adorabile presa in giro, degna di un premio Nobel.

In tour a Riccione (stasera e domani); Pontedera (14-17.10); Casalbuttano (24.10); Salerno (26-27.10); Livorno (30.10); Firenze (15.11-12.12); Venaria Reale (5.2.22); Narni (21.5.22)

Così è (o mi pare) di Elio Germano da Luigi Pirandello

Tutti parlanodi Ted Lasso, la serie comedy di Apple che ha vinto sette Emmy quest’anno. Ma la scuderia di serie di Apple Tv+, piattaforma streaming di Cupertino, si è arricchita da poco di un’epopea fantascientifica, Fondazione, destinata a durare. E durare anche più del solito, visto che i primi due episodi, lanciati il 24 settembre, sono di un’ora. Ora si centellina una puntata a settimana (la terza uscita ieri) per un totale di dieci.

Gli ingredienti sono attesi. Un’ambientazione galattica e un arco temporale di migliaia di anni. Mondi esotici, costumi in stile cyber-medioevo, astronavi a velocità di curvatura e una buona dose di misticismo escatologico. Oltre agli effetti speciali all’ultimo grido digitale, però, Fondazione vanta una fonte di trama eccezionale. Si ispira, infatti, (liberamente) nientemeno che al padre della fantascienza Isaac Asimov, e al suo Ciclo della fondazione (che l’autore modellò sulla storia dell’Impero romano).

In un futuro remoto, dopo aver vinto la guerra contro i robot, l’umanità popola centinaia di pianeti, uniti sotto un unico Impero guidato da una dinastia di sovrani clonati. Al momento del suo massimo splendore, uno scienziato, Hari Seldon, prevede con un sofisticato modello matematico la fine ineluttabile di quella civiltà, e un destino di guerra e caos lungo 30 mila anni. Il nuovo medioevo galattico si può accorciare creando un’enciclopedia universale delle conoscenze, da tramandare ai posteri. Il vaticinio costa a Seldon l’esilio su un pianeta remoto, dove dovrà fondare una sua comunità. E questo è solo l’inizio.

È la prima volta che la saga, scritta tra gli anni 50 e 80 e composta da una trilogia più due sequel e due prequel (voluti dall’editore), viene trasposta su schermo, anche se George Lucas vi si è ispirato per Guerre stellari. Il cast completo si vedrà nelle prossime puntate. Intanto si fanno notare Jared Harris (Mad Men e The Crown) nel ruolo di Seldon, Alfred Enoch come figlio adottivo e non da ultima la protagonista Lou Llobell, 26enne al secondo film (dopo il pur fantascientifico Voyagers). Il produttore David Goyer descrive Fondazione come “una partita a scacchi millenaria”. La casa di produzione (la Skydance, che ha realizzato vari Mission Impossible) e Apple Tv+ sono convinti che la complessità narrativa del soggetto garantirà alla serie un successo paragonabile al Trono di spade. Staremo a vedere.

Dopo Mediterranea (2015) e A Ciambra (2017), Jonas Carpignano completa la trilogia di Gioia Tauro: A Chiara è stato presentato alla Quinzaine des Réalisateurs di Cannes, dove ha vinto l’Europa Cinemas Label, e dal 7 ottobre arriva nelle nostre sale.

Dopo la comunità africana (Mediterranea) e quella rom (A Ciambra), il regista si volge alla ‘ndrangheta e la trova in seno alla famiglia Guerrasio riunita per celebrare i diciotto anni della primogenita Giulia (Grecia Rotolo) di Claudio (Rotolo) e Carmela: sarà però la più piccola Chiara (Swamy Rotolo) a indagare sui motivi che hanno spinto il padre ad abbandonare improvvisamente Gioia Tauro.

Nella città calabrese Carpignano vive dal 2010, i tre film sono il precipitato non di un’osservazione, bensì di una partecipazione: non c’è etnografia ma condivisione, non c’è studio ma vita.

Sporcandosi le mani, però non gli occhi, si può permettere libertà e verità precluse ad altri: inquadrando con Chiara i legami tra famiglia e Famiglia, affetti e affiliazioni, riflette sulla decisione dello “Stato e dei servizi sociali calabresi di strappare i minori alle famiglie (mafiose, ndr) fino ai diciotto anni di età” e deflagra gli stereotipi del mafia-movie, non per intento estetico bensì per approdo poetico.

Succede così che in due ore di film non venga esploso un solo colpo di pistola; succede così che un attentato incendiario non ci titilli per spettacolarità ma ci preoccupi per i personaggi; succede che A Chiara si stacchi nettamente dalla Gomorra seriale e compagnia pirotecnica per stagliarsi quale unicum, in cui vedere è conoscere, osservare è comprendere e tutto chiedersi.

Martin Scorsese s’era prestato da produttore esecutivo per A Ciambra, anch’esso insignito dell’Europa Cinemas Label e candidato dall’Italia nella corsa all’Oscar, questa conclusione illumina retrospettivamente non la generosità, ma diremmo l’obbligatorietà di quell’aiuto: al cantore di Quei bravi ragazzi e Casinò, il lavoro di Jonas dev’essere parso incarnare quella rivoluzione che il genere (d’autore), il mafia-movie, da lui codificato aspettava da tanto, troppo tempo.

Jonas cita il Neorealismo, Vittorio De Seta, Alice Rohrwacher per ispirazione, ma è l’idiosincrasia la sua cifra, una capacità fusionale che sconfessa il contraccettivo della “giusta distanza” e fa dell’empatia una ragione insieme di vita e di cinema.

Surplus di senso, senza nulla togliere al Koudous Seihon di Mediterranea e al Pio Amato di A Ciambra, stavolta può contare su un’attrice: l’esordiente Swamy Rotolo ha un doppio sguardo, il suo e il nostro, e il cinema nazionale non se la lasci sfuggire.

Ci sarebbe da chiedersi, infine, perché Carpignano propheta in patria, in quella festivaliera almeno, Venezia in testa, non lo sia ancora stato, ma sono amarezze in capo ad altri. Non roviniamoci, non rovinatevi l’appetito: A Chiara è il miglior film italiano dell’anno.

Qualcuno potrebbe considerarla una “vecchia strega, irritabile”, o forse, più benevolmente, liquidarla come una “nonnetta saggia”. A scherzare sulle possibili definizioni è la stessa Margaret Atwood, narratrice e poetessa canadese di qualità e di successo, impegnata da anni nei movimenti femministi e pacifisti, nella difesa dei diritti delle minoranze, come i nativi di tutto il mondo, e nelle battaglie contro il razzismo e ambientaliste.

Sebbene sia nata a Ottawa nel 1938, in verità l’autrice di romanzi come Il racconto dell’Ancella e L’altra Grace, pubblicati in Italia, come gli altri suoi libri, da Ponte alle Grazie, è una giovanissima donna che insegue utopie concrete. E dalla città di Alba, dove oggi al Teatro Sociale Busca riceverà il Premio speciale Lattes Grinzane 2021, ai giovani consegna il futuro del pianeta. A chi, tra i Grandi, sorride delle accuse lanciate da Greta Thunberg ai potentati della terra e ai loro “bla bla bla” sull’ambiente, la Atwood rammenta di stare attento, perché “saranno queste nuove generazioni di attivisti a votare i potenti di domani”. E ai giovani e alle giovani che si battono ricorda che “la rabbia può spronare a lottare contro le ingiustizie sociali, a patto che non diventi tossica. La strada per il progresso è costellata di andirivieni, di cambiamenti non sempre positivi, e richiede la partecipazione di tutti”.

Giovani, donne, disastri climatici, letteratura impegnata socialmente, Dante e Boccaccio, Tolstoj e Cechov. Ma anche il rapporto di fiducia fra una narratrice (o un narratore) e i suoi lettori. La scrittrice di Ottawa ha messo tutto questo al centro della conferenza stampa che ieri ha tenuto in una sala della Banca d’Alba, in via Cavour, a due passi dalla casa dove visse Beppe Fenoglio. Decisamente un buon inizio per l’undicesima edizione del Premio Lattes Grinzane, che oggi, al Teatro Sociale Busca, vedrà la proclamazione da parte delle giurie studentesche del vincitore di quest’anno. In lizza cinque finalisti: Kader Abdolah con Il sentiero delle babbucce gialle (Iperborea), Bernardine Evaristo con Ragazza, donna, altro (Sur), Maylis de Kerangal con Un mondo a portata di mano (Feltrinelli), Nicola Lagioia con La città dei vivi (Einaudi) e Richard Russo, autore di Le conseguenze (Neri Pozza).

La rosa dei finalisti del Lattes Grinzane annovera un iraniano, una anglo-nigeriana, una francese, un italiano e uno statunitense. Un crogiolo culturale che ben si abbina all’idea di letteratura della Atwood. “Le storie”, dice, “servono a farci entrare in empatia con ciò che accade nel mondo”. Del resto, aggiunge, “la grande letteratura è sempre socialmente impegnata, perché altrimenti non sarebbe considerata grande: dal Tolstoj di Guerra e pace e di Anna Karenina a Oscar Wilde. Amava parlare, Wilde, di ‘arte per l’arte’, una frase peraltro non sua, ma Il ritratto di Dorian Gray è un romanzo fortemente moralizzante. Secondo certi critici, poi, pure Anton Cechov non giudica mai i suoi personaggi. Però non è così, le critiche ci sono”.

Le storie ci fanno entrare in empatia con il reale, mentre “i numeri da soli non ne sarebbero capaci. Ecco perché è importante distinguere una credenza da un’opinione, e un’opinione da un fatto. In questo consiste il mestiere dei giornalisti, di chi vuole informarsi sul web, ma anche degli scrittori: bisogna sforzarsi di cercare e di comunicare al meglio la verità”. La verità significa fare i conti con la storia, con il contesto storico, al contrario dell’autore della statua “sexy” della povera Spigolatrice di Sapri. “Era una contadina”, osserva la Atwood, “non si sarebbe mai vestita in quel modo. Lo scultore evidentemente aveva solo l’idea di una ragazza molto sensuale”.

Il mestiere di scrivere, secondo la narratrice canadese, ha un aspetto fondamentale: “È quello dell’intrattenimento, che ci permette di divertirci e, contemporaneamente, di riflettere sulla realtà, aiutandoci a prendere posizione e a capire determinate dinamiche prima che sia troppo tardi”. Tra scrittrice (o scrittore) e lettrice (o lettore), in ogni caso, deve sussistere un rapporto di fiducia. La metafora la offre la Commedia dantesca. Il “rapporto fra Virgilio e Dante nell’Inferno”, dice, “è metafora di quello tra scrittori e lettori”. Chi legge “si lascia guidare in un viaggio la cui porta di accesso sono le prime pagine: fra quelle righe si mostra la buona volontà dell’autore nel coinvolgere il suo pubblico, così come alla fine si manifesta la sua abilità nell’accompagnarlo fuori dal suo mondo”. Nell’Inferno, però, si entra facilmente, “il difficile è uscirne nel migliore dei modi”.